Strato uno. Perché un film del genere.
C’è stato l’11 settembre se non l’avete saputo, da lì la Marvel si è inventata un nuovo ciclo narrativo, un universo Ultimate, con facce nuove, con iter nuovi, qualcosa a cui tutto il mondo si potesse attaccare come una cozza per consolare le proprie paure, il proprio terrore del diverso ed esorcizzarlo con gente comune. Tranne per il dettaglio che molti sono mutanti, altri sono dei di Asgard, altri punti da un ragno radiattivo. Ma stiamo divagando.
Detto ciò partiti i fumetti il principale punto di riferimento sono state le fazze da cinema, Tony Stark fin dal primo giorno è stato disegnato come Samuel L. Jackson, per dirne uno e soprattutto da bianco e brizzolato è diventato negro (come a dire va bene l’aiuto di tutti, a modo loro di vedere le cose), insomma l’iter fumettaro ha avuto successo la Marvel inizia a fare MALE i film, tolti gli Uomo Ragno di Raimi e i primi due X-Men ma ancora non riesce a sferrare il coppo del ko tecnico.
Arriva poi Tony Stark, in un momento di crisi e recessione mondiale, l’uomo delle banche dell’energia pulita, insomma quello che te lo mette in culo con la vasellina e dice che è l’effetto del WC Net e che non hai tirato la catena prima di fare la cacca, e da lì riparte tutto. Iron Man, il primo film è una bomba, il secondo un po’ una merda (ma con Scarlett Johansson che fa la spia russa dal nome in codice Black Widow e dal nome Natasha Romanoff – che prova a dirlo scarlettjohanssonnatasharomanoff suona meglio di lasagna al pesto), arriva Capitan America, che è altrettanto una merda e poi Thor che è indubbiamente il migliore (sì ci sarebbe da spiegare come Heimdall un Dio Asgardiano sia negro anche qui ma aoh, una mano va bene ovunque anche dalle parti di Odino). Siamo due a due, The Avengers è la chiave su cui si gioca tutto (calcolando che su Hulk ci si è messa una bella croce sopra per manifesta inferiorità di tutti).

Strato due. Perché la meraviglia
Dovevate vederli in sala, i bambini che chiedevano al papà informazioni mentre era inquadrata Scarlett Johansson in kevlar e i papà che rispondevano “non rompe er cazzo e ascolta che poi non capisci”, “sì ma..”, “zitto e magna e’patatine”.
Insomma la prima meraviglia deriva dal fatto ormonale metti sullo schermo un biondo pompato, un affascinante riccone cinquantenne brizzolato e col pizzetto, un altro semi intellettuale col ricciolo sbarazzino che diventa verde grosso e presumibilmente con una mazza tanta e soprattutto un negro, da una parte.
Dall’altra bastano 3 battute di Gwyneth Paltrow e tuuuutte le evoluzioni di Scarlett Johansson, che prima ti fanno dire poverina e poi, madonna di Dio io russo e con un’amica spia così no eh?
Insomma avessero tolto l’audio il film funzionerebbe anche così, ormonalmente.
Il problema che rende il film ancora più bello, più potente, più più è che non si ferma lì.
Il problema al solito è il cattivo

Strato tre. Il bastardo
è Tom Hiddleston, qui l’abbiamo già scritto, è emergente, è un grande attore è uno che mette in fila e dà nel culo al 99% degli altri in circolazione (Fassbender compreso) ed è uno che ha dei tempi e delle mosse totalmente shakespeariane, che rendono il dramma, la comicità, la stronzaggine e la bastardaggine solo dei grandi.
Fate così, negli altri film i cattivi sono sempre due-tre. Qui basta lui, e deborda

Strato quattro. La caciara.
Da dove iniziare, da Iron Man che arriva con una trasmissione di Shoot to Thrill o da i cazzottoni di Hulk (brizzolato, comprese pizze ad un aereo militare), agli Avengers che vedono arrivarsi alieni da tutte le parti del cielo, si mettono in posizione d’attacco e la Johansson ricarica le pistole (che se ci ripensi è ridicola come cosa ma dopo no), dalle figuracce che fa Cap ogni volta che viene inquadrato (che goduria) a dimostrazione non che il personaggio non sia forte ma che Chris Evans sia un cane e pure della peggiore specie o da Samuel L Jackson che usa il lanciarazzi. Ecco, ho scritto 5 cose, e sono un ventesimo della caciara del film. C’è un fintissimo piano sequenza montanto per le evoluzioni incrociate degli eroi, c’è Mahnattan rasa totalmente al suolo, danni peggiori di tre 11 settembre messi insieme, ma mica ci fai caso.
Nei fumetti non ci fai caso alle conseguenze, solo una volta è stato così e Magneto s’era un po’ incazzato e aveva ammazzato quasi tutti gli X-Men e sommerso New York. Pollici alti eh per carità, si pianse per mesi, ma poi aoh, è cemento, uno tromba un po’ di più ed ecco ripianate le morti con nascite. E’ la Marvel, ragazzi

Strato cinque. La vittoria
non parlo del film, parlo che se siete ancora davanti al monitor e non siete andati a vedere The Avengers voi siete PAZZI, ma MATTI veri e senza le briglie. Avete l’opportunità di vedere come pur non essendo uno di quelli che poi sono invitati a Berlino, Cannes etc, Joss Whedon sa cosa farci con una storia, anche se esile, sa come tenerti seduto due ore e mezza e soprattutto sa a memoria momenti comici e momenti drammatici, con i primi in netto vantaggio sui secondi. Quindi le pesantate alla primo Hulk o alla secondo Spider Man le lasciamo un attimo da parte e pensiamo a far divertire quel bambino lì che sono due ore che tira la manica al papà e che sono due ore che si sente dire “non me rompe er cazzo, mo arriva Hulk, famme vedè bene”.

Strato sei. Tutti bravi.
A me dopo un po’ Robert Downey fa sfarfallare i maroni ma ci sta, detto di Cap e Thor (che ha una storia figa ma è un pochino banalotto) e su Hiddleston spenderei un cinque secondi su Mark Ruffalo e  Jeremy Renner, la vera cosa in più del film, tutti e due. L’elemento locura direbbero gli sceneggiatori di Boris, gli pseudo filler che in linguaggio tecnico alla fine valgono più di tutti i personaggi altri messi insieme.
Tolta natasharomanoff che vabbè, eoh, e scusa eh.
“papà ma quindi..”
“t’ho detto che non me devi rompe er cazzo”

via

Per quanto riguarda chi scrive basta vedere le classifiche degli anni precedenti; i personaggi di cui sopra hanno almeno UN film che entrerà negli annali per gli anni a seguire (The Dark Knight il primo e Zodiac il secondo), entrano scientemente nella distribuzione nella stessa stagione a pochi mesi di distanza e raramente con titoli di secondo piano. Insomma Nolan e Fincher sono la panacea dell’industria cinematografica, oggi. E per un bel po’ di anni. Aggiungo io.
Lo scetticismo che poteva circondare l’idea di Fincher di tornare con la trasposizione del prmo romanzo della trilogia dello scrittore più sfigato della storia dei tempi (muori e diventi uno di quelli che ne avrebbe fatti almeno altri 4, di libri, con volume di vendite tipo Joanna K Rowling, Steig Larsson), Uomini che odiano le donne (anche se il film non so per quale motivo venga chiamato The Girl with the Dragon Tattoo), Millennium per capirci, era palpabile. Come la necessarietà dello stesso. Quando le cose ci sono già, rifarle, significa concettualmente perdere in partenza.

Il cinema di Fincher è quanto di più elevato, sempre per chi scrive, se parliamo della capacità di scavare nella vera identità dei personaggi, nel suo saper squadrarli, vivisezionarli ed eroicizzarli anche nella loro scarsa iconicità. Fincher un film così l’ha già fatto, aveva reso San Francisco il posto più spettrale e viziato degli Stati Uniti, l’aveva scarnificato come una tela dei primi anni 30 e figuratevi ora, spostato in Svezia, nel gelo e nello scheletro di un’Europa antica e con reminiscenze rabbrividenti naziste, quale possa essere la resa.
Per quanto possiate immaginarlo non rende minimamente l’idea. L’idea di un cineasta che pur con pregi (enormi) e difetti (quasi tralasciabili, come l’ennesima manciata di minuti che sembrano buttati via così ma mi riservo una seconda terza quarta e quinta visione) che però sa cosa sia l’animo umano. Conosce la paura, il terrore e la malinconia profonda del misfatto senza maschere, senza eroi, senza supereroi.
Gli eroi di Fincher sono persone comuni, persone per lo più borderline alla ricerca della verità, che si trovano. Come Zodiac a suo modo era un film di due coppie che si mollavano, Millennium diventa un film di una coppia che si “quasi” forma, in maniera del tutto casuale, ma che casuale non è. E’ un mondo piccolo e incestuoso dice spesso un’amica e il mondo piccolo e incestuoso di Fincher è lì. In Svezia, a San Francisco, a New Orleans.
La concatenazione degli eventi non è fine a sè stessa, è a suo modo creata da solitudini e da errori del passato, che possano essere scoperti o meno è un puro dettaglio. E’ questa la grandezza del suo cinema, la sua struttura, monolitica come l’inizio di 2001 Odissea nello Spazio (e Kubrick è il regista del passato a cui mi viene più volte il pensiero di avvicinarlo, e a volte lui stesso lo fa, con vari richiami) la sua capacità di sventrare gli attori, farne carne da macello sullo schermo e non privarsi di nulla, emotivamente parlando.

Nota di merito finale per Rooney Mara, che mette da parte il suo essere un’icona che spinge un uomo a creare qualcosa, come Facebook (Rosebud, anyone?) che qui rischia di diventare la vera icona del senso del cinema Fincheriano. La sua Lisbeth Salander è una figura di poche parole ma allo stesso tempo un personaggio estremamente fisico, che con i propri difetti e con le proprie cicatrici morali (e non) è la pietra su cui poggia tutta la narrativa del film e tutte le scimmie che intorno iniziano a battere in terra con delle ossa umane.

Fincher ha il senso della poesia, la poesia di una tuta da motociclista buttata nell’immondizia, in una scena che sembra messa lì per caso eppure non lo è.
Per quanto possiamo lottare, per quanto elevato possa essere il nostro fine siamo soli, e siamo destinati a rimanerci, mentre tutto il mondo intorno crolla e si dà la sua pittata di novità.

Cara Madonna,
nel profondo del mio cuore, sono sempre stata convinta che il tuo primo film fosse orrendo perché tuo marito Guy Ritchie, bastardo geloso del tuo talento, avesse volontariamente boicottato il progetto.
Adesso avete divorziato e W.E. non ha niente a che fare con lui: non hai più scuse, Madge. Scusa la brutalità, ma sei una regista/scrittrice di merda.

facciamo dei bambini, dài!

Metà del film è ambientata ai giorni nostri: Abbie Cornish veste i panni di Wally, una donna con un matrimonio infelice e una ossessione al limite del patologico per Wallis Simpson. Il limite del patologico viene superato quando inizia ad immaginarsi Wallis e conversa amabilmente con lei sulla panchina del parco.
Tale creatura psicolabile passa tutti i giorni, ma dico tutti, alla mostra di oggetti appartenuti a Wallis da Sotheby’s. Ci sta talmente tanto tempo che la guardia di sicurezza si invaghisce di lei.
Quando il marito (giustamente stremato) la molla, lei si mette senza alcuna titubanza con la guardia – embè, il suo nome inizia con la E, poi possono fare W.E. pure loro! – e dopo averci scopato tipo due volte, rimane anche incinta. Immagina che contento lui.

L’altra metà, mescolata senza praticamente nessun legame alla storia della pazza Wally, è la Vita Di Santa Wallis. Una donna senza macchia, con una vita terribile, che poi finisce a sposare un principe che sembra Ken e soffrire ancora, ancora e ancora.
Madonna, io so che tu senti di avere il potere di fare quello che vuoi, dallo sgambettare con addosso un body al correggere i grandi errori della storia: nazisti Wallis e Edward VIII? Ma quando mai! Loro Hitler l’avevano incontrato solo per caso.

Ken ne dimostra almeno dieci di meno.

La loro è la più grande storia d’amore di tutti i tempi, la più grande storia d’amore di tutti i tempi, la più grande storia d’amore di tutti i tempi. Quante volte l’hai ripetuto, in quella sceneggiatura, che la loro è la più grande storia d’amore di tutti i tempi?

Lo so, non ho colto il senso superiore della tua opera magna. Forse sono io ad essere troppo inetta per capire la tua arte.
In compenso, sono sicura che il tuo letto sia stato vuoto, mentre giravi W.E. : per me è sempre una gioia vedere Abbie Cornish smutandata, ma le scene al limite del softcore non mentono e ti fanno sembrare una cinquantenne pruriginosa, Madge.
Erano fuori tema, così come quando facevi il giro attorno alle vetrine dei gioielli dodici volte, effetto televendita del canale regionale: se hai una narrazione già frammentata in due storie ed in più non sai dove stai andando a parare con la tua regia, non inserire altri elementi di confusione, che poi lo spettatore si annoia.

Il tuo film faceva venire le convulsioni, Madonna: la signora ultraottantenne seduta di fronte a me era così oltraggiata che si è alzata ed è andata via, invece di assopirsi sulla poltroncina.

Un ultimo appunto: “directed by Kermit The Frog” suonerebbe più autorevole di “directed by Madonna”. Visto che hai un nome intero, la prossima volta – perché sappiamo entrambe che ce ne sarà una – usalo. E non mettere una tua canzone nei titoli di coda.

Baci, abbracci, un set di guanti appartenuti a Wallis Simpson.

P.S: hai consigliato tu ad Andrea Riseborough di farsi bionda? Spero di no, perché potrei venire sotto casa tua con un mazzo di ortensie avvelenato.

we were hipsters when hipsters didn't even exist yet

Emme, alias Marta, nata nella nebbia veneta e attualmente persa nella nebbia britannica. Sta per laurearsi in giornalismo e nel frattempo si occupa di Soft Revolution e Ingresso Ridotto. Millanta competenza cinematografica ma non guarda i film di paura, si dedica al culto della barba, ogni tanto mostra sprazzi di serietà e/o intelligenza. Twittatrice bilingue.

Dicevo, J Edgar. Bene, mettiti qui vicino Clint. Parliamone.
Parliamo del fatto che a un certo punto della tua vita Clint, hai cominciato a parlare di come affrontare la morte. Non credo sia una paura, Callaghan non ha paura e sul piedistallo di eroe Clint tu sai che ci starai anche quando non sarai più qui con noi. Spero di andarmene prima io Clint, davvero, questo rimanga inter nos.
Quindi Clint i babbei credono tu abbia paura, sappiamo io e te che non è così. Nella tua semplicità il tuo punto d’arrivo è dimostrare che le storie, tutte, hanno una fine. Che può essere la morte. Che può essere il ritorno da una missione nello spazio. Che può essere lasciarsi.
Le cose finiscono Clint. Lo sapevamo, ce lo ricordi, e la gente non capisce.
Che poi voglio vederli loro a 80 anni ma questo è un altro discorso.
L’idiozia, dicevo su, di chi non capisce J Edgar è fermarsi alla superficie, non capire la convinzione e la morale di un uomo con un senso enorme dello stato, in maniera distorta, per carità agli occhi di qualsiasi non conservatore di questo mondo. Ma direi quasi encomiabile.
Un uomo che con un modo tutto suo, giusto o sbagliato che sia, si discosta dai giochi di potere del Nixon Stoneiano e naviga dietro gli uffici del procuratore che indagava sulla morte di Kennedy. Il J Edgar tuo (e di quel grandissimo attore che è finalmente diventato Leo Di Caprio), Clint ha un ruolo (in)umano, comprensibile solo da chi decide di stargli vicino per tutta la vita per motivo professionali (una meravigliosa Naomi Watts), affettivi o famigliari (Judi Dench, che tanto ormai non ci stupisce più).
Il quadro generale è questo, non ci sono sottotrame, non c’è thriller, non ci sono “misteri”. Il tuo occhio Clint era tutto per lui, e il titolo, J Edgar (e non Hoover) è più che una dichiarazione d’intenti.
Un uomo il cui centro corrispondeva con la propria emanazione. Che fosse l’FBI, che fosse il suo amore, che fosse sua madre. J Edgar era un uomo, il più potente della storia degli Stati Uniti, e questo è un dato di fatto, ma pur sempre un uomo, e tu Clint, non avessi inquadrato l’umanità dietro la spietatezza di un sistema, che il
sistema stesso è fatto da uomini e che in questo caso, passano gli uomini ma è il sistema a sopravvivere.
Anzi, del sistema neanche se ne parla più
Rimane una firma su un foglio, J Edgar.
Se lo vogliono capire, Clint, lo capiscono. Sennò sai che c’è di
nuovo, sti cazzi.

Tutto questo non è per, come speravate, parlarvi di Shame, omonimi di Steve McQueen e della fava di Fassbender, che non ho ancora visto, film e fava, ma per continuare la mia introduzione all’arte contemporaneissima con una delle migliori opere realizzate negli ultimi vent’anni. Vi è andata male.

Invisible Fassbender's cock

2006: Douglas Gordon & Philippe Parreno, Zidane, A 21st Century Portrait (video, 91′)

Zidane è il risultato della mente di due degli artisti più significativi  ella nostra epoca, Douglas Gordon, scozzese, e Philippe Parreno, franco-algerino. Ci siamo? Gordon e Parreno. Memorizzate per benino questi due nomi, ché se significativi lo sono davvero li vedrete sui libri di storia dell’arte dei vostri figli. (Tutto questo ovviamente in un’utopica visione del mondo dove nelle scuole Storia dell’arte NON sarà sostituita con Speculazione finanziaria).

Zidane, A 21st Century Portrait però non è SOLO un “ritratto del 21esimo secolo”, ma un ritratto di tre dimensioni: lo spazio, il tempo (sulla loro simultaneità) e l’identità.

Formalmente il film è un montaggio di sequenze con unico protagonista Zizou ripreso non-stop da 17 telecamere per tutti i 90’ di durata della partita Real Madrid – Villareal del 21 Aprile 2005. Le telecamere non lo mollano un secondo,  rendendo impercepibile lo schema globale dell’azione sul campo, ma sensibilizzando la percezione di ogni piccolo spostamento, parola (ed emozione) di Zidane.

Il lavoro, valutato con i criteri applicabili ad un film tradizionale ha chiaramente poco senso d’esserci, anche se volutamente commercializzato come tale dagli artisti che lo hanno presentato a Venezia nel 2006; l’opera si muove però in tutt’altro senso: riesce a collocarsi come un capolavoro nella poetica di entrambi gli artisti, proponendosi come una narrazione alternativa di micro-eventi simultaneamente atemporali e strettamente legati al (loro) tempo.

È a tutti gli effetti uno spostamento. Secondo il teorico Nicholas Bourriad, scopo dell’artista dagli anni ’90 si è fatto quello della costruzione di narrazioni alternative che divergano dalle narrazioni precostruite che determinano la vita di tutti. Lo spostamento si configura proprio in questa linea teorica, e si ha quando l’artista “sposta l’attenzione” dello spettatore in modo meronimico/olonimico (chiaro che ho dovuto googlarle), dal tutto alla sua parte e viceversa.

Pippone a parte, l’apporto concettuale di Gordon al film è questo: lo spostamento che effettua dalla concezione sportiva dell’insieme di gioco al singolo individuo partecipante, avendo come risultato una visione che offre possibilità di una percezione totalmente differente da quella classica della partita di calcio soprattutto in termini di tempo, come aveva già fatto tredici anni prima con 24 Hour Psycho, di cui parlerò prima o poi.

Parreno aggiunge ulteriori livelli di lettura contribuendo con discorsi sulla relatività e la simultaneità dell’identità: Zidane è mito e persona, unico e universale, ed entrambi.

I sottotitoli che appaiono in sovrimpressione durante la partita vogliono il calciatore come soggetto della prima persona singolare, ma in realtà pare siano stati scritti dagli artisti e Zidane in collaborazione (immaginatevi una tavola rotonda con Zizou in imbarazzo); tra i testi riflessioni sul tempo, sullo spazio e sull’identità che vanno a complicare il discorso sull’identità stesso: come spettatori non potremo mai sapere dove finisce la biografia e dove comincia la fiction.

Formalmente il film è una bomba: le sequenze sono bellissime, montate e girate da gente con una certa esperienza nel cinema (il direttore della fotografia fidato di Fincher e altri tecnici, gente che ha lavorato con Scorsese e Almodovar), accreditato come noise engineer c’è il Dio Irlandese del Rumore Kevin Shields che gestisce tre fonti di suono: quello del pubblico, quello dei giocatori e la colonna sonora, composta appositamente nientepopodimeno che dai Mogwai. Ma che cazzo di aria respirano in Scozia?

Dopo 90’ precisi di eyegasm, eargasm e mindgasm non mi era del tutto chiaro chi stesse vincendo o cosa di preciso avesse fatto Zidane in tutto quel tempo, ma nel frattempo avevo riconsiderato totalmente il concetto di tempo, di me stesso come persona e del mio stare nel mondo, o qualcosa del genere. Fai te.

SPOILERONE

Letture consigliate:

D. Birnbaum, Cronologia. Tempo e identità nei video degli artisti contemporanei

Insomma una mossa delle più classiche “o la va o la spacca”, a Roma conosciuta come “mossa del 23″.
Comunque Bird è uno che l’Oscar l’ha preso, la Bad Robot aveva già vinto al cinema con Cloverfield e Star Trerk (dopo avere stravinto in televisione con tutto quello che può passarvi nella testa che abbiate visto, VOI alla Bad Robot dovete la vita e presto verranno a reclamarla), si devono essere detti che alla fine il rischio era abbastanza calcolato.
Il problema era che il protagonista doveva essere Tom Cruise. Oh, ecco, leviamo il discorso Scientology, leviamo che tra lui e la moglie sembra normale far indossare dei tacchi a una ragazzina di 5 anni, leviamo un po’ di cose. L’ultimo ricordo che si ha di Tom Cruise, nitido in testa come fosse ieri, come la prima volta che la mamma vi ha beccato a farvi una pugnetta è questo qui.

Ecco, se voi andate dal mio amico Youtube e gli chiedete la top ten delle figure “maccheccazzot’èpresofigliomio” una è questa. L’altra è una qualsiasi di Nicola Porro, a random. Insomma si doveva mettere in mano un sostanziale se non vogliamo chiamarlo reboot ma massiccio rilancio di una serie che aveva visto la sua punta narrativa nei piccioni che John Woo ammaestra nella sua casa di Hollywood per volare solo davanti agli attori e mai cagargli addosso, a Tom Cruise che non aveva più quell’appeal che poteva avere non dico tanto su Giorni di Tuono, che siamo a un livello alto. Diciamo Cocktail.
Diciamo che a prescindere un film di Cruise per un attimo si era pensato di metterlo pg 16 come restrizione, che hai visto mai partisse coi messaggi subliminali.
Insomma la classica parabola discendente, e noi alle parabole discendenti non assegnamo un budget per un film da almeno millemiliardidieuro vero perdio?

Invece no. Come è, come non è. Il film si fa, con Tom Cruise.

Fatta la premessa minchiona del post andiamo avanti (non garantisco non sia minchione alla stessa maniera.
Mission Impossible Ghost Protocol si apre con i migliori 120 secondi degli ultimi 20 anni di film d’azione. Mica per altro, mica perché è la Bad Robot e sa come colpirci al cuore, mica perché succedono cose che non ti aspetti no.
Semplicemente perché da quei due minuti hai una chiarissima idea che stai vedendo la cosa giusta, nel punto giusto (accanto a tua madre ma questo è un altro discorso) e stai tifando la cosa giusta.
Insomma tutto giusto figlio mio, fosse sempre così staresti a posto nella vita.
La trama è delle più classiche e ce la lasciamo dietro, sti cazzi, però stavolta si capisce abbastanza, non è un continuo riferimento a nomi cognomi e cotillon vari ma è una gigantissima scritta “Tom l’hanno messo al culo a te, l’agenzia, il segretario, i russi e pensano che sei stato tu”. Figo ve?
La liquidiamo così.
Il film è la palese dimostrazione che chiunque pensi che il cinema di animazione non sia CINEMA non capisce un cazzo.
E se leggi e sei uno di quelli, sì parlo con te, non ti voltare: NON CAPISCI UN CAZZO.
Questo perché Bird in qualche modo, non so come, riesce a tirare due ore di film come fosse un cartone animato, senza tanti freni senza tante sciabolate di amarcord e di romanticherie e di cazzatone di spionaggio e controspionaggio. Va al dunque, c’è un problema e lo risolve

è ovvio che stiamo parlando di entertainment puro, che non parliamo di qualcosa di rarefatto e raffinato come La talpa, parliamo di qualcosa di indubbio gusto ma con un grado ed un’intenzione molto ma molto pronunciata verso il divertimento. Come i cartoni animati, dove c’è sì il momento riflessivo, ma sono 4 minuti. Di Ratatouille ti ricordi quando fa la zuppa mica che la mamma del roscio si trombava il cuoco ciccione ed era un figlio non riconosciuto fino alla fine del film. Insomma Bird prende un po’ da qui e un po’ da lì, si studia i 3 Mission Impossible precedenti e capisce varie cose.

1- Che Ving Rhames se c’è o non c’è è la stessa cosa
2- Che Tom Cruise ad un certo punto lo devi appendere a qualcosa di molto alto
3- Che la figona europea ci sta sempre bene
4- Che i russi sono buoni
5- Che Tom Cruise meno lo metti nelle condizioni di recitare meglio il film viene, quindi ridurre al minimo le possibilità che possa parlare
6- Che le maschere non servono a una mazza quindi usiamo i truccatori di J Edgar che facciamo prima

e ultima ma non per importanza: qui serve una squadra.
Ogni squadra fin dalla notte dei tempi è fatta da (George Lucas insegna).
- Leader: e vabbè di Tom abbiamo parlato abbastanza
- Co leader: ovvero quello che per figaggine arriva ad essere quaaasi come il leader con cui sviluppa una tensione omoerotica non indifferente, con varie sorprese e che possibilmente faccia prima o poi il supereroe. Jeremy Renner. Un po’ come dire che sì c’è Mark Hamill il fidanzato che tutti vorrebbero per le proprie figlie (solo che Mark Hamill magari non inizia a saltare sulle poltrone) ma le mamme non sanno che le proprie figlie vorrebbero tuutte, TUTTE, Han Solo, quello che non parla mai, che se parla non spara cazzate e soprattutto uno che nella vita ha disinnescato bombe, fatto l’arciere ed era cugino di Jesse James. Insomma, il cavalierato Jedi dattelo in faccia, il mondo è delle canaglie.

- Il simpatico. Ecco, se calcoliamo che il lato simpatia nei precedenti episodi non c’era qui si è pensato, prendiamo la fazza da comico più grossa e alternativa che c’è solo che a differenza di Star Trek tutte le battute che non facciamo dire in maniera scientifica a Tom Cruise le dice lui. Simon Pegg. Insomma il D3PO, l’R2D2 e il Chewbacca messi insieme senza rumorini 8 bit e aaaaawwwwurrgghhh

infine per chiudere

- La figona che non la dà a nessuno. Paula Patton (anche perché poi bisogna anche onorare la memoria di, e insomma è brutto che cinque minuti dopo stai a trombare qualcun altro e a prescindere, cocca, è banale che te trombi il leader, semmai il co-leader o una porcata con tutti e due insieme, ma già sto film rischia il pg16 perché ce sta il matto che va sul divano e salta poi che famo?)

Insomma, un quartetto, ecco il segreto, ecco il segreto (lo dico come Joe Pesci su JFK quando parla della triangolazione di tiro) Brad Bird è partito da lì, dal mettere su nel minor tempo possibile dell’iter di sceneggiatura il quartetto e da lì il film è andato via da sè, colpi di scena compresi.
Quindi parliamo del film che potrebbe tranquillamente dire a qualsiasi altro film d’azione del 2012 “per quest’anno non ce n’è”, e che venga da un regista che con gli attori in carne ed ossa (e qui sono serio) fino ad oggi non c’aveva mai fatto nulla se non il doppiaggio beh, permettetemi di dire che è un po’ la conferma di quanto il cinema, ancora oggi, sia l’arte che più di tutte a 360° dal punto di vista di generi, performance e scrittura sia in grado di stupire.
Ah, per inciso a me i tre precedenti erano piaciuti, il terzo forse per inerzia più che per convinzione, fatto sta che se andate vi divertite.
Parola di lupetto che non sono mai stato

Poi Winona Ryder diventa WINONA RYDER, nel senso che il film e il cinema diventano un po’ tutto nella tua vita e il tuo diventa tifo e non vera e propria scienza. Winona Ryder fa tutti film bellissimi che solo a scriverli diventi scemo, Dracula, Night On Earth, Edward Mani di forbice, la moglie minorenne di Jerry Lee Lewis su Great Balls of fire.
Nel frattempo Winona Ryder se li fa veramente TUTTI, e tutti inarrivabile, tipo:

- La prima serie televisiva che ho amato alla follia è stata X-Files e il mio mito era ovviamente Fox Mulder (quindi David Duchovny). Fuori Uno

agli UFO non ci pensi ora eh stronzone

- Il primo disco veramente alternativo che compri ragionando è Mellow Gold

secondo me lui l'ha conquistata vestito così

- ti piacciono i Soul Asylum (e lei si porta Dave Pirner anche in Reality Bites)

l'ha mollato prima dei dischi più belli

- Il primo (forse) film che definisci della vita è Will Hunting

secondo me già quando ha preso l'Oscar lei pensava di mollarlo

- ami Gold di Ryan Adams e lei ovviamente anche pare

sta benissimo

Insomma la faccio breve, hai la fissa del Frat Pack e lei si fa Rob Lowe, Charlie Sheen, Johnny Depp e per davvero Christian Slater, copre tutto l’arco parlamentare chiamato rock alternativo da Adam Duritz e Jakob Dylan a Dave Grohl e Evan Dando, si butta anche sul country con Chris Isaak e arriva a Page Gesù Hamilton.
Sì quello degli Helmet.
Arriva anche a Dodi Al Fayed ma questo facciamo finta non sia mai successo.
Non dico bugie 

Insomma Winona è una cagna di attrice (col senno di poi) che riesce a fare film con Jarmusch e Scorsese, che addirittura fa un Alien e se la vince con tutto il mondo perché passi da un aurgh, nooo ad un ohhhh appena appare lei sullo schermo. E solo ora capisci che Winona è un segno, il segno che marchia le cose imperfette che  segnerà la tua vita, non ti piacerà mai l’oggettivo ma il soggettivo, i quattro accordi, sguaiati, suonati male ma che sono stati un po’ con tutti.
Ed ecco là che nel momento in cui apri un tumblr decidi che il sottotitolo sarebbe stato “era meglio morire da piccoli che vedere Winona Ryder rubare un tanga in un supermercato e Jar Jar Binks” in cui c’è un po’ tutta l’imperfezione del punk, di quel volere essere differenti ma in fondo un po’ uguali a tutti, ordinari e allo stesso tempo alternativi. Perché poi, ad un certo punto scopri che Winona Ryder piaceva e piace a TUTTI, quelli della tua età, che a loro modo sono punk senza sapere di esserlo. Winona però rubava, ad un certo punto ha dato fuori di testa, è stata fuori dal giro ed è tornata che faceva la mamma di Spock.
Voglio dire se le scrivono una biografia la chiamano Filthy Thong e non fanno una lira di danno.

Sta storia finisce con Black Swan, dove la Winona Ryder di oggi prende il posto della Winona Ryder di ieri, solo che a me la Winona Ryder di oggi non piace (Natalie Portman) troppo costretta in uno stile, troppo perfetta, troppo amabile, forse sono 3, forse sono 5 accordi.
Ma non sono 4, solo Winona Ryder è quattro accordi, come quelli che dici te

Giovedì scorso sono andata al cinema in Germania a vedere Carnage; in sala c’era un gruppetto di Fräulein che ogni volta che appariva in scena Christoph Waltz andavano in brodo di giuggiole (e io con loro), e quando si è tolto i pantaloni, non ti dico, nessuna di noi capiva più niente e i mariti volevano farci rinchiudere.

Quando andavo all’asilo il giovedì era il giorno del polpettone. Non nel senso del filmone epico melodrammatico che dura sei ore e un quarto, e la rivoluzione russa, e le cavallette, e tutti muoiono ma Tara rinascerà, e poi il tema di Lara – no, proprio il polpettone che si mangia. Il regno del polpettone era il refettorio, un mondo di tovaglie a quadrettini bianchi e blu, bacilli vaganti e bambini urlanti, puré lanciato contro le pareti, briciole di pane imbevute nell’acqua e bevute per sfida, e biscotti Oswego trangugiati insieme a ributtanti yogurt alla banana prima del riposino forzato.

Anche se te lo fai in casa con le migliori intenzioni, il polpettone è l’incarnazione del potenziale sprecato: prendi ottimi ingredienti, li metti nel BravoSimac, frulli per un quarto d’ora, esce una sbobba un po’ così a vedersi ma che comunque potrebbe avere un buon sapore. Poi avvolgi il tutto nella carta stagnola, metti il coso nella pentola a pressione, cuoci fino alla morte. La pentola fischia e fa un casino pazzesco, sembra essere sull’orlo dell’esplosione – che sarebbe una roba fighissima: immaginati la cucina Philippe Starck tutta imbrattata di pezzi di carne, fumo, vapore a 320°C, cose da Buster Keaton – e invece niente, arrivi al punto di cottura, spegni il fornello, la pentola fa meh, e ti rimane un cilindro di sbobba solidificata da fare a fette.

All’asilo il contorno del polpettone era sempre: patate (Christoph Waltz), piselli (Jodie Foster), fagiolini al burro (Kate Winslet) e carote bollite (John C. Reilly). Era la parte migliore del piatto, quella tollerabile; nel caso delle patate ci mettevi anche del gusto, e comunque  a me le carote, i piselli e i fagiolini sono sempre piaciuti. Se avessimo mangiato solo il contorno (specialmente le patate: tante patate, tanti amici) che bambini felici saremmo stati! E invece no: la bidella coi suoi modi grezzi e insicuri, e un grosso problema di falsa autorità percepita, diceva che se volevi altre patate dovevi finire il polpettone, e non si usciva di lì finché tutti non avevano spazzato il piatto. Però dopo i primi morsi il polpettone aveva sempre lo stesso sapore, e mangiarselo tutto era davvero una noia. Quindi si scatenava l’inferno: in qualche modo ti dovevi liberare del polpettone nel piatto. La bidella urlava che non si butta il polpettone per terra, e non si lancia contro al muro, e andava a finire che nessuno faceva il secondo giro di patate; la bidella era esausta e noi pure, e nessuno andava a casa contento.

Caro Polanski, quanto mi hai ricordato la bidella del refettorio con questo polpettone di un film! La bidella era un dubbio esistenziale fattosi persona, lo stesso dubbio che ti ha attanagliato durante la lavorazione di questo film: provo a imporre la mia (scarsa) autorità o lascio che il dio del caos prenda il sopravvento? Come la bidella dell’asilo non riesci a fare né l’una né l’altra cosa, e che peccato. Accidenti alle tue inquadrature un po’ sbavate, i movimenti di macchina incerti, il montaggio fatto con le forbicine di plastica e la Coccoina! Accidenti a te che eri assente durante la lezione sul rigore formale e strutturale nei chamber pieces! Accidenti a chi ti ha scritto un copione col climax nel mezzo invece che alla fine! Possibile che tu non abbia capito che per fare un film alla Buñuel, per fare a pezzi il fascino discreto della borghesia nell’epoca del politically correct, ci vuole non dico l’entrata in scena di un orso, ma almeno il gran finale col pranzo spalmato sulle pareti? Avresti dovuto vedere che perfetto Gesamtkunstwerk era il refettorio dell’asilo dopo il polpettone del giovedì, forse avresti imparato qualcosa.