10 Oasis – Whatever
La Wonderwall prima di Wonderwall. Gli Oasis la fecero uscire come bonus di Definitely Maybe ma era una canzone da primo singolo. I violini, l’acustica e quel sound di quel disco lì, a cui da quello dopo sono state aggiunte cose su cose.

9 Pearl Jam – Animal
Sui dischi dei Pearl Jam ho cambiato idea 3/4 volte, da poco ho capito che Vs è il disco che a me la vita l’ha cambiata un bel po’. Animal era il secondo schiaffone in faccia dopo quel disco, che era molto meno hard rock del precedente ed iniziava ad essere rock quasi puro. La pesantezza e la magnitudine del riff iniziale é un pezzo grosso degli anni 90.

8 PJ Harvey – Rid of me
Scrivere qualcosa su PJ e su Rid of me lo reputo quasi insultante. Il disco rimane di una produzione da schifo, quasi inascoltabile (e sticazzi se c’era Albini eh) da uno stereo se non mettendolo al massimo del volume. Forse la bellezza di Rid of me é quando alzavi il volume.

7 Deftones – Be quiet and drive
Gli anni 90 sono stati anche nu-metal e i Deftones (provenendo da tutt’altra parte, l’hc, ma nel calderone nu metal a forza erano stati infilati)sono un gruppo che li ha passati  indenne grazie anche a Be quiet and drive, una canzone che ho percepito venire sempre dagli Smashing Pumpkins, melliflua, andante. A suo modo una ballata

6 Tom Waits – I don’t wanna grow up
Uno dei miei 5 dischi dei 90 é Bone Machine in cui scegliere qualcosa é umanamente impossibile. Sentire peró sta nenia catarrosa che dice di non volere crescere a 18 anni ti faceva sentire meno solo. Anche oggi

5 Fugazi – Blueprint
Uno dei 5 gruppi della vita. Ringraziate iddio che non le ho messe tutte e dieci dalla loro discografia

4 Soundgarden – Black hole sun
Il “capolavoro” degli anni 90. I Beatles suonati dai Black Sabbath, un disco enorme e un video Lynchiano (c’é anche Bob del resto). S’é sentita tanto lo so, la sentiste una volta di più ne capireste l’enormità

3 Therapy? – Nowhere
Feci una cassetta da 46 con solo Nowhere da una parte e dall’altra. I 4 accordi, la canzone punk del gruppo più vicino al post punk metal dei 90.

2 Sonic Youth – Sugar Kane
Sui Sonic Youth il mio giudizio é cambiato negli anni, oggi li considero alla pari dei Beatles il gruppo più importante della storia. Sugar Kane é un simbolo di come il noise possa essere piegato alla forma pop rock. Ne potevo scegliere 30 altre lo so

1 dEUS – Suds and soda
Per me é la canzone dei 90. Ha tutto dalla prima volta che l’ho sentita che scambiai il violino come una sirena sotto casa. Poi l’incedere sgangherato alternative, l’esplosione. I dEUS

Ricordo che in quegli anni alla domanda “cosa vuoi fare da grande?” rispondevo senza indugi “l’esploratore”. Di fatto non esploravo proprio niente: raramente scendevo dalla casetta, me ne stavo solo lì seduto con il mio binocolo a cercare gli uccelli nei due pini di fronte. Dico “cercare” perché sai che ci sono degli uccelli, li senti, non cantano, litigano, non sai cosa si dicano ma sai che non sono belle parole, ma nel folto dei pini non riesci a vederli. Il mio “esplorare” consisteva quindi nel cercare la fonte dei suoni che sento anche da camera mia anche nel momento in cui scrivo, quello schiamazzare (creature minuscole che fanno un casino infernale, quando gli gira), che cominci a notare a primavera, che si fa più forte fino all’estate per poi diminuire d’inverno fino a farti dimenticare che ci sia mai stato, e poi ricominciare. Mi rendo conto solo ora che la mia indole di osservatore (/ascoltatore) distaccato, più che di esploratore, era chiara fin da piccolo.

Se fossi stato più versato nel fare più che nel guardare, avrei imparato a suonare uno strumento? E se avessi avuto talento, la mia musica suonerebbe come quella di Andrew Bird? Con quel cognome didascalico, il violino a imitare il volo e il fischio come il canto degli uccelli, se fosse stato mio vicino di casa l’avrei invitato sulla casetta?

Mi vengono in mente 3 dischi meravigliosi di questi ultimi anni creati sotto influsso di un forte genius loci: For Emma (2008) di Bon Iver nell’ormai leggendario capanno nel Wisconsin, Ravedeath, 1972 (2011) di Tim Hecker in una cattedrale islandese, e Break It Yourself di Andrew Bird, composto nel suo granaio.

I luoghi e i non-luoghi della nostra vita – la casetta sull’amareno, il divano sul quale sono seduto, il treno che prendo tutti i giorni – agiscono su quello che creiamo con la stessa influenza che ha il cibo che mangiamo sul corpo che abitiamo.

Difficile dire come per se stessi e impossibile tirare conclusioni per gli altri, mi limito a sognare ad occhi aperti di intervistare un granaio. Non so come descriverebbe la musica che ha ispirato a Andrew Bird, come l’ha aiutato a comporre Break It Yourself; quello che so è che questo disco folk (quindi) senza tempo, fatto di violini, chitarre acustiche e voci cristalline (insieme a St.Vincent in Lusitania, per dire), storie, grilli e fischi, accompagnerà il primo sole della mia primavera, ispirandomi in modi che non so.

Sonic Youth’s Kim Gordon and Thurston Moore have announced their separation. Plans beyond SY’s South American tour are uncertain

Fuori dalla finestra è indubbiamente autunno, è inutile che provi a mascherarsi come un agosto inoltrato. Io sto facendo l’aggiornamento a iTunes, che detto così sembra che stia cementando i piedi a qualcuno per buttarlo nell’Adriatico. No, intendo che ho già scaricato il nuovo disco dei Three In One Gentleman Suit e non l’ho ancora ascoltato perchè sto facendo l’update. Ripetizioni a caso ma è così quasi sempre, arriva l’autunno e mi butto ‘sulla matematica’, come il debito formativo. Non è proprio così dogmatico ma se succede non me ne meraviglio, ad esempio da un paio di anni accolgo i Minus The Bear ogni cader di foglie, giusto per fare paragoni che possono non sembrare nobili ma che girano sulla stessa compagnia aerea.

Pure esce oggi in free download sul sito di Upupa Produzioni, è praticamente ovvio che lo dobbiate scaricare.

You Can Just Leave It All è un disco che dimostra pragmaticamente questo effetto e il suo opposto, nella difficile prova di riuscire a far bollire nella stessa pentola nostalgia emo 90, ritmiche nervose e chitarre cinquanta e cinquanta arpeggi e crescendo post rock, facendo diventare il mischione un’ottima pietanza, senza se e senza ma (come il tiramisù ai piselli di quella puntata di Friends con Joey ciuffo emo 98). Un disco fatto da nostalgici con la copia originale di un disco degli Explosions In The Sky nel furgone della band. A dar plusvalore alla cosa è che li ho scoperti in tutta serendipità cercando un rip del nuovo disco dei Make Do And Mend.

È un po’ come stare sdraiato sulla sabbia a guardare le nuvole per tutta la durata del disco, alzarsi di scatto e correre a fare qualcosa per emanciparsi dai moccolo dei ricordi. Chiudersi in garage a sudare sulla batteria con Get Down o Horizontal nelle cuffie. Urlare tutto il cd nuovamente pedalando verso chissà dove. Eccetera.
Ammettendo la poca arbitrarietà del gesto, ma sento questi Prawn miei quanto ho sentito i Mineral la prima volta che ho ascoltato The Power Of Failing, un’inaspettata ventata di freschezza di metà estate.

Sarà che mi fisso solo sui dischi belli ma qui c’è tanta roba da innamorarsene.

http://prawnnj.bandcamp.com/

The AV Club: One interviewer circa Workbook called you “the most depressed man in rock.” That’s quite a title.

Bob Mould: He’s never met Stephin Merritt, obviously.

Conosci Stephin Merritt? Io l’ho conosciuto che forse son quattro anni da poco. Mettiamo subito in chiaro una cosa: è un genio. Certo, non è proprio la persona più loquace che tu possa trovare a New York: è depresso, ha ragione Bob Mould. Non mi accompagna mai ai concerti; io insisto, ma lui niente. È per colpa dell’iperacusia, lo stesso motivo per il quale fa così raramente concerti – e quando lo fa si tappa le orecchie durante gli applausi – e l’unico genere che non sopporta è l’”heavy rock“. Dice che “il pop è fondato sul precedente, sulla copia creativa” e ha ragione; quindi insomma, il fatto che conosca ogni canzone mai incisa da, diciamo, Irving Berlin, come poi tra l’altro ha anche chiamto il suo chihuahua, non è un vanto da nerd-autistico quanto uno strumento per comporre e scrivere bellissima musica. Ah, la musica di cui parlo è quella dei Magnetic Fields, ma non solo. Ti rendi conto? Ormai hanno ormai nove album all’attivo, e l’anno prossimo ne uscirà uno nuovo. Quando me l’ha detto, tre settimane fa, sottolineando enfaticamente che esce su Merge (si vede che mi conosce bene), sono quasi trasalito. Se poi conti che il 23 di questo mese esce un suo disco di b-sides e rarità puoi capire l’entità della cosa. Roba da antologia, da scriverci su dei lbri, da farci dei film. E infatti l’han fatto. E poi non fare quella faccia: credimi quando ti dico che un album di rarità di Stephin Merritt non è da bollare mentalmente coi tag “scarto” e “pagare le bollette”: il fatto è che la qualità media delle canzoni dell’uomo è altissima. E così è facile trovare capolavori POP – rigorosamente col caps lock, anche a voce: POP – nei side projects (coi The 6ths fa cantare le canzoni che scrive e compone ad Altri, anche qua rigorosamente con la A capitale, Gothic Archies, dove “ogni speranza è perduta” e Future Bible Heroes che boh) quanto negli album storici, dai primi lavori tipo Holiday a “Man’s greatest achievement“, 69 Love Songs.
Ecco, mi soffermo un attimo su questa cosa. Sulla parola love.  Tanto per cominciare Merritt e le sue band fanno canzoni pop, il cui tema principale è l’amore. Da sempre. Prendiamo le 69 Love Songs: è un lavoro coraggiosissimo perché sviscera l’argomento come nessuno aveva mai fatto, se ne frega del trito perché ha autocoscienza, sa da dove viene, sa di non andare da nessuna parte, ma con coerenza e palle che flotte di intellettualoidi dovrebbero invidiare. E a loro, agli intellettualoidi, mentre li sgama in flagrante a canticchiare una a caso delle melodie appiccicosissime, dice con una gigantesca trollface: “Mi sa che non hai colto la citazione”.
E va bene, te lo concedo: fare del pop e dell’amore ragione del proprio lavoro è pregevole ma per quanto i temi siano vasti il dubbio di aver un po’ rotto il cazzo viene. E qui arriva il punto in cui ti annoio lodando la capacità di innovarsi. Perché, indovina un po’?, Merritt ne è capace. Diciamo per tre motivi.

• 1) Perché l’uomo è una fottutissima enciclopedia del pop quindi attinge dal suo supercefalo per innovare solo la forma e non il contenuto di un discorso che per motivi x e y ha a cuore (forse perché è “the most depressed man in rock”. Forse sì). Contenuto che alla fine è fatto di cose che alla gente piacciono:  storie, testi semplicemente bellissimi (di una neanche-troppo-sottile complessità) e melodie idem (POP quindi orecchiabili, cantabili, di nuovo “appiccicose”).
• 2) A parte il fatto che lui sa suonare tipo qualsiasi strumento mai inventato, la sua è più di una backing-band: i Magnetic Fields (in tutte le sue varie istanze) sono musicisti e cantanti di livello che hanno saputo sempre adattarsi alle sue idee con coerenza e capacità. Blablablà. Sono molto bravi, insomma.
• 3) Stephin e compagnia bella godono di una meritata reputazione (chiamiamola indie-cred) unica e invidiabile, vera e propria band(/s) di culto anche presso gente famosa tipo Neil Gaiman. Uno che di scrittura e fantasia ne sa qualcosa.

Così di culto da farci un film, come ti dicevo prima: è un documentario che si chiama Strange Powers: Stephin Merritt and the Magnetic Fields ed è stato presentato al Sundance l’anno scorso, mi pare. L’hai visto? No appunto, nemmeno io; è che non ha una distribuzione in Italia. Ma ti giuro che mo’ lo ordino e lo faccio volare fin qua. Cioè, con un trailer del genere..

- So why are they making a documentary about you for?
- Because I’m fascinating. I write wonderful music.
- What’s your last name?
- Merritt.
- Merritt?
- Yeah.
- Never heard of you.
- I know.

Il modo in cui dice “I know”. Per me lì c’è dietro tutto un mondo. Poi la voce di qualcuno evidentemente troppo brutto per essere ripreso che dice “Stephin is an indie-rock God”. Ecco, io non so se il tizio ha ragione. A livello personale sì, certo, lo è. Ma la cosa che più mi fa piacere è che abbia detto quelle paroline lì, “indie-rock”: è una cosa che non ha più senso, e parole che spesso mi vergogno troppo anch’io per utilizzare davvero. Ma l’indie-rock, per me, è questa cosa qua: un tizio che dice “sì, lo so che non sai chi sono. (Ma scrivo bellissima musica e c’è gente pronta a giurartelo)” e dopo poco le scritte che vengon fuori: I Magnetic Fields hanno pubblicato album per 20 anni; per alcuni, sono una band iconica, per la maggior parte, sono completamente sconosciuti.

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Insomma, questi in venti di carriera ci hanno fuori nove album e un bell’EP, e ancora nessun Best of?! A parte che non ci sono dettagli sul nuovo album quindi potrebbe essere che-. Ma secondo me no, e comunque spero sia un disco di inediti. Magari un concept album folle.
Fatto sta che ho voluto fare questo regalino ai lettori di Junkiepop. Una raccolta di personalissime scelte delle loro canzoni che amo di più (impossibile parlare di migliore; e poi la selezione è stata già abbastanza dura o IMPOSSIBILE per quanto riguarda 69 Love Songs). Un Best of per chi li conosce già e un modo per dire “Dai vieni, te li presento” al mio ipotetico interlocutore che non sa di cosa si parla però vorrebbe. Ecco, questo è il momento. Scarica. Pensa la cosa come una specie di Guide for dummies.
Potete scaricare l’album con Mediafire qui sotto. Dentro ci sono anche un file di testo con un paio di informazioni su ogni traccia e la copertina fatta da me che mi ha impegnato non poco tempo. Quindi usa quella anche se il risultato è quel che è.

SCARICA Stephin Merrit and The Magnetic Fields – POP! In the Name of Love: Some kind of best of

Special tèncs: Questo post sarebbe stato decisamente meno decente senza la fantastica monografia scritta da Veronica Rosi su ondarock. Se volete leggere qualcosa di veramente bello sui Magnetic Fields andate lì.

P.S.: La cosa è anche un piccolo regalo a me e a byronic, con cui si parlava da tempo di un post su 69 Love Songs. Oggi è il nostro compleanno, quindi auguri!

Tracklist after the jump (ho sempre voluto dirlo!).

01. Epitaph For My Heart (da 69 Love Songs)
02. Born on a Train (da The Charm of the Highway Strip)
03. The 6ths – Here in My Heart (cantata da Anna Domino – da Wasps’ Nests)
04. You Must Be out of Your Mind (da Realism)
05. The 6ths – You You You You You (cantata da Katharine Whalen degli Squirrels Nut Zippers – da Hyacinths and Thistles)
06. Love Is Lighter Than Air (da Get Lost)
07. 100,000 Fireflies (da Distant Plastic Trees)
08. The Luckiest Guy on the Lower East Side (da 69 Love Songs)
09. Strange Powers (da Holiday)
10. Stephin Merritt – Forever and a Day (da Obscurities)
11. All My Little Words (da 69 Love Songs)
12. Swinging London (da Holiday)
13. The Desperate Things You Made Me Do (da Get Lost)
14. The Death of Ferdinand De Saussure (da 69 Love Songs) qui Merritt cita (l’omicida) Spector: “I’m just a great composer and not a violent man, but I lost my composure” e il trio Holland-Dozier-Holland, autore di buona parte di canzoni d’amore della Motown
15. I Don’t Believe You (da i)
16. The 6ths – He Didn’t (cantata da Bob Mould degli Hüsker Dü – da Hyacinths and Thistles)
17. The Saddest Story Ever Told (da The Wayward Bus) il riff è quello di And Then He Kissed Me delle Crystals
18. The Book of Love (da 69 Love Songs)
19. Take Ecstasy With Me (da Holiday)
20. All the Umbrellas in London (da Get Lost)
21. Gothic Archies – Crows (da The Tragic Treasury: Songs from A Series of Unfortunate Events)
22. Too Drunk To Dream (da Distortion)
23. Papa Was a Rodeo (da 69 Love Songs)

Beirut entra con la band, o entrano i Beirut, oppure potevano benissimo non entrare perchè non mi è piaciuto e si è giocato subito Postcard From Italy alla quarta canzone e il mio livello di interesse è sceso verso gradi inferiori allo zero. Molto più interessante è stato sfogliare le belle cartoline che il buon Fabio ci ha donato all’entrata e di cui Giorgio ha già parlato qualche post addietro. Vorrei che tutti i 5000 paganti potessero sfogliarle ma solo 500 fortunati possono fare invidia agli altri con la bella busta e il suo contenuto.

Dei National ci sarebbe da dire tutto e niente. Hanno preso il meglio degli ultimi tre dischi e un sacco di bicchieri di vino – Matt era un po’ ubriaco ma è così che ci piace -, li hanno messi su uno stesso palco e in venti canzoni è successo tutto. Se non è stata la perfezione poco ci è mancato.
Boxer e High Violet sono stati saccheggiati, Alligator un po’ meno ma hanno fatto Secret Meeting che è la mia preferita, perchè nella chiavetta usb che ascolto nella radio della macchina partiva sempre dopo The Devil And God Are Raging Inside Me e perchè quegli accenti in levare sono la cosa più bella che ti puoi aspettare dal fratello capellone dei nazionali, a mio parere il vero motore della band.

Il pubblico è tutto un insieme di teste ciondolanti, bocche aperte e mani alzate per tenere il tempo o fare foto e video, e qui è la dicotomia a parlare: il porsi a fianco di una struttara con quella manciata di centinaia di anni e fare i video con gli smartphone, rendere partecipi i posteri, far sì che un evento diventi rito nel processo di registrazione e upload su youtube. Un esempio è uno dei pochi video di Vanderlyle Crybaby Geeks, uppato la notte stessa o la mattina dopo e con più di duemila visualizzazioni, per poter rinforzare il concetto di ‘io c’ero’ o molto più onestamente di ‘senti qui che pezzo da lacrimoni’. Perché è quello che è stato. Un concerto con il singhiozzo e la pelle d’oca sempre in tensione, anche nella pausa prima del bis perché mancavano dei pezzi al puzzle ed eravamo tutti pronti a strapparcela di dosso definitivamente come Robbie Williams nel video di Rock DJ.

Ma tutto questo non importa, o forse solo un pochino perché io già sono basso e fra teste e iphone ho visto poco, ma è stato un abbraccio collettivo in barba al sudore e al venticello che tutto ad un tratto si è alzato.

Ho questa affermazione in testa che mi fa ridere: a me non piace parlare di quello che mi è successo. Detto così mi fa sembrare l’incoerenza fatta a persona, ma per come vedo le cose ogni corpus di fatti miei qui scritti e letti non sono ‘un modo di parlare di me’ ma al più un raccontare. Soffermarsi sui formanti plastici o su come eravamo vestiti, non tanto chi-cosa-come, oppure in piccola dose dire di vicende e di canzoni che le hanno accompagnate o che me ne ricordano è l’azione virtuale del raccontare.
Parlare è esporsi e dire che da un anno una persona all’interno della mia famiglia non c’è più, ed è davvero un passo grande grande dirlo così, ai primi che passano. Questa canzone dei Copeland è forse quella che al meglio riassume la mia visione delle cose da – in parte – esterno, cioè vedere un figlio ormai sulla strada per la mezza età stringere forte la mano del proprio padre che se ne va una mattina di luglio alle 5:30, quasi senza preavviso bensì l’agonia fosse presente da ormai troppo tempo. Partendo dal tavolo di una cucina che a malapena ricordo al pedale dell’accelleratore che mi ha portato da Bologna ai Lidi Ferraresi più in fretta possibile, per potare fare un ultimo saluto prima di una procedura formale che mi ha personalmente distrutto l’animo qualche giorno dopo.

Its testing the strong ones
Scaring the beautiful ones
It’s holding the loved ones
One last time

Non so, volevo solo poter dire ciao un’ennesima volta e farlo così, con qualche riga a metà fra l’Hold Me Tight e i fatti miei.

C’era una volta nella nebbia mattutina un tram che è passato alle 6 e 47 e un giovane ancora rincoglionito dallo svegliarsi così presto che è arrivato alla fermata alle 6 e 52 e ha perso la corsa che lo avrebbe portato alla stazione dei treni. True story di una mattina di gennaio e di un paio di scarpe con la suola consumata dalla velocità di percorrenza di quel paio di kilometri o forse anche di più in 20 minuti scarsi, sudati e sborbottati ma festeggiati con il sorriso sul traguardo dell’obliteratrice dei biglietti.

Quella mattina Legna ancora non c’era ma sarebbe stato tanto bello partire ascoltandolo nella staffetta contro il tempo. Si sarebbe sposato bene con il passo veloce e nervoso e le luci dei camion nella rotatoria della facoltà di ingegneria, dove per poco non mi mettevano sotto dalle sei alle otto vetture che, a causa della nebbia, erano prive di piena visibilità al voltante. Sarebbe andato a nozze con il moto a velocità costante dei miei piedi che passavano a fianco di un cinema in disuso, una palestra di boxe e cartelloni pubblicitari di concerti dispendiosi a cui ho rimpianto di essere andato. L’eco degli Shellac, quel pizzichino di emocore dei bei tempi sporchi e quelli di batteria tendenti all’intrigarsi e non lasciare mai il respiro sotto tutto quel cantato a due in italiano che pervade questo nuovo disco – super atteso dal sottoscritto dopo aver avuto il piacere di rivederli ad un concerto organizzato da amici al mare dai miei genitori – sarebbe stata la ciliegina sulla torta a coronare il silenzio delle strade ferraresi all’illuminarsi del cielo e lo spegnersi dei lampioni.
Ma ad un quarto alle 8 ero appena salito sul treno, sudato come un taglialegna alle Hawaii, ancora a bocca chiusa dalla sera prima e forse pure un po’ incazzato, con chi/cosa non si sa.

Legna è un disco con le goccioline di sudore sulla fronte, che trasporta mattoni ma che in realtà vorrebbe consegnare rose senza essere forzatamente cingalese e basso. Registrato perlopiù in presa diretta all’Igoo da Francesco Burro Donadello (uomo dietro a dischi di Giardini Di Mirò, Massimo Volume e Offlaga Disco Pax), il disco si ramifica in otto canzoni rapidamente definibili come post punk se per post si considera l’ammoniaca che non laverà quel punk che non è lo stesso denaturalizzato ai suoi tempi ma, più che giustamente, la sua versione contestualizzata agli anni 00. A segnare quel filo di continuity della sìddetta scena italiana c’è Jacopo Lietti a disegnare copertina e fare un saluto in studio di registrazione che diventano parole poi frasi poi incisioni.
Io ve lo dico già, ‘Troppo Facile’ è la mia canzone preferita e mi arriva dritta allo stomaco.

Quella mattina Legna non c’era, oggi c’è e lo trovate qui in free download. ‘Gran pacca di Gesù,.