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Voce del verbo “moccicare”

27 lunedì set 2010

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Credo l’abbiate intuito, vi parlerò di cibo.

Non come una food-blogger che si rispetti, niente recensioni di ristoranti, niente ricettine per stupire, niente fotine carine con i piatti che sembrano disegnati e che non riuscirete mai a poi mai a riproporre ai vostri commensali.

Paradossalmente potrò anche farvi perdere l’appetito, perché non è tutto olio quello che luccica.

Mi hanno assoldato  consapevoli – spero - della mia innata vena polemica e dell’assortimento dei miei ascolti musicali.

Sarò la vostra scatola di cioccolatini per quando avrete voglia di sedervi a tavola e farvi delle domande.

Vi stupirò oltremodo.
E mica sempre positivamente.

Non l’ho ancora specificato, ma va fatto: divoro anche molta televisione.
E mi piace parlare dei fatti miei.
Ora sapete a cosa andate incontro se cliccate su manuconta

Nell’attesa di una ricetta espressamente richiesta dal CAPO, vi lascio con un consiglio per l’acquisto, che è anche una madeleine personale: cercate nella vostra pasticceria di fiducia, quella sottocasa, quella con la vetrina che vi fa sbavare di più, insomma, in un reale negozio artigianale dove magari conoscete chi sta dietro il bancone,  dei biscotti al burro; il must sarebbe trovarli con glassatura al cioccolato, come quelli nella foto qui sopra. Se non vi piace il cioccolato (COOOOOOSAAAA???) vanno bene anche quelli con la ciliegina o il cedro candito, ma mi raccomando, che non siano pasticcini alla mandorla, che poi non vale.

Fatto?

Ecco, adesso che li avete tra le mani nel vostro bel pacchetto con il fiocchetto dorato, andate a casa, preparatevi un bel tè, perché è già autunno e bisogna rassegnarsi al tempo che passa, e mentre aspettate i fatidici cinque minuti prima di togliere la bustina dalla tazza, cominciate a scartare i biscotti.

Non ci troverete un gran profumo nell’apertura, sono biscotti secchi che però secchi non sono, ve ne accorgerete al primo morso.

Se la pasticcera, o il fornaio, hanno fatto bene il loro lavoro, si scioglieranno in bocca in un tripudio di grassi saturi animali che però fanno tanto bene al cuore (speriamo non ci siano medici all’ascolto). Se la pasticcera, o il fornaio, sono stati onesti e hanno usato i giusti ingredienti, il cioccolato sarà vero cacao con burro di cacao, e il burro vero grasso di latte di mucca.

Vietato inzupparli nel tè, mi raccomando, quella era solo una scusa per mangiarli a ripetizione.

Ora che vi siete prestati a questo esperimento, non pensate di aver concluso qui il vostro percorso gustativo: il prossimo passo è cercare in dispensa e aprire quel pacchetto di biscotti al burro industriali che sicuramente mangiate a colazione, quelli con la forma da marketing e i nomi più improbabili, dai che ce li avete tutti.

Adesso prendetene uno come capro espiatorio, guardatelo, pesatelo, soppesatelo confrontandolo con il reale biscotto al burro, fateli guardare negli occhi a vicenda, fate vergognare prima il biscotto fake e poi vergognatevi voi di non aver mai ceduto alle lusinghe dell’altro.

Ora siete in pace con la coscienza, avete l’assoluzione per un’altro paio di biscottini fragranti e burrosi, finite il tè e andate in pace.

Ah, i biscotti nella busta mica dovete buttarli via, quando si sciolgono nel latte fanno la loro porca figura, li hanno studiati per questo!

manuconta: un nome e un cognome moccicati. scrive come parla e come mangia: moccicando. non sa bene cosa ci faccia qua con tutta questa bella gente acculturata, ma le piacerebbe poter dire “come il cacio sui maccheroni”

Men in the box

12 sabato giu 2010

Posted by in it's the end of the world, madeleine, rock

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Il live degli Alice in Chains ovvero come vincere una sfida apparentemente impossibile.
Questa serata parte da molto lontano. Parte da quando lessi per la prima volta la notizia che Jerry Cantrell, Mike Inez e Sean Kinney avevano deciso di tornare in pista, prima alternando alla voce ospiti illustri poi avvalendosi definitivamente di tale William Duvall per sostituire lo voce più tormentata e sofferta di tutta l’epopea grunge, l’inarrivabile Layne Staley.
Cosa che non mi fece che pensare ad imprecazioni e insulti. Se Kurt Cobain è stata l’icona indiscussa per fama, importanza e uscita di scena, Layne ha rappresentato il contraltare oscuro, l’immagine pura della sofferenza e del disagio. La solita infanzia difficile, i problemi con l’eroina, la difficoltà di presentarsi in pubblico che causarono due tour ridottissimi a seguito di due dischi CLAMOROSI come Dirt e l’omonimo, co-autore del disco che in definitiva sancisce la fine di quell’era, lo splendido Above del supergruppo Mad Season, la morte prematura dell’unico amore della sua vita, l’eremitaggio nella sua casa di Seattle conclusosi nell’aprile del 2002 ritrovato a due settimane dal decesso ucciso da una dose letale di speedball, solo, abbandonato e dimenticato. L’immagine della sconfitta.

Questa serata prosegue un anno fa in un negozio di dischi di Roma. Mentre sono intento a cercare chissà cosa facendo roteare indice e medio sui bordi di inutili cd parte un brano diffondendosi prepotente dall’impianto. Le dita smettono di roteare e la testa si alza ad altezza primo piano. Questa è la chitarra di Cantrell… l’ha fatto. Ha fatto un nuovo disco a nome Alice In Chains mentre Layne marcisce sottoterra. Rimango in attesa di elaborare improperi vari e invece rimango fermo ipnotizzato. Il commesso che conosco da tempo nota il mio stand-by e passandomi alle spalle butta lì un “guarda che è un album che merita… sentitelo”. Passo il resto del pomeriggio nel negozio con le cuffie ad ammettere che si, merita eccome, Jerry ha scritto l’album che sarebbe dovuto uscire nel 97-98 se solo non… etc etc.

Questa serata prende forma il pomeriggio del 10 giugno 2010 a poche ore dal concerto degli Alice in Chains all’Atlantico di Roma quando varco l’ingresso del negozio delle prevendite live sotto casa mia. Ci vado e vediamo. Forse non sarà uno sbaglio.

Entro nella sala contemporaneamente a loro sul palco e parte It Ain’t Like That. Il locale non è pieno, lo è il giusto e lasciatemi dire che c’è chi ci doveva essere, nessun avventore inutile, c’era chi per un certo periodo di tempo si è fatto lacerare l’anima dalla loro musica e dai loro testi ed è stato privato di questo rito collettivo.

Non è stato il live degli Alice In Chains. E’ stato il live del popolo degli Alice In Chains. E non ho cose migliori da offrire per confutare questo che dirvi sudore, lacrime, sorrisi, entusiasmo e la voglia di gridare all’unisono

If. I. Would. Could. You?

Come volevasi dimostrare

06 martedì apr 2010

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Un paio di mesi fa cogliendo l’occasione per una personalissima madeleine colsi l’occasione di parlare di Scratch my back, disco di cover con cui Peter Gabriel rende merito a 3/4 della scena alternativa attuale e non.
Che il gesto rimanesse sotto traccia c’era poco da scommetterci ed era solo questione di tempo che uno di quegli artisti lì, coverati rendesse il favore, per inciso uno di quelli la cui canzone è tra le migliori rivisitazioni di Gabriel.
Bon Iver e Flume sono l’artista e la canzone in questione.
Il ricambio di favore è a sua volta una cover, di Come talk to me, disco che apriva Us, uno dei lavori migliori e canzone che apriva il bellissimo Secret World tour, ma di questo ne abbiamo parlato già.
Bon Iver leva orpelli, chitarre elettriche, batterie e basso di Tony Levin e la trasforma in qualcosa di acustico e terribilmente di(y)laniante.
Quanto è bello quando la gente si fa i favori a vicenda. Ma quanto bello è?

Bon Iver - Come talk to me (M4a)

Sta stronza

09 martedì mar 2010

Posted by in madeleine, rock

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Ed è un appellativo decente, il più pubblicabile che mi venga in mente per Courtney Love, la regina non del grunge ma delle Yoko Ono dei nostri tempi.
I motivi sarebbe inutile reiterarli. Credo. Basta che insomma si leggano intorno le speculazioni che dal personaggio in questione vengono messe in atto non sulla sua di vita, ma sulla morte di Cobain.
Premesso questo la Love vista l’aria delle reunion (che a me inizia a mettere una tristezza immonda seconda solo al trio del Festival di Sanremo Pupo/Principe/Tenore) ha deciso di rimettere su le Hole.
Oddio, rimettere su è un po’ grossa come cosa.
Lei da sola con tre turnisti aspettando (forse) Melissa Auf der Maur (che comunque era entrata nelle Hole nell’ultimo disco quindi sarebbe un ulteriore palliativo. Fatto sta che tirato fuori un disco solista pressochè ignobile e nascosto (o quasi, la ricordate Mono? na roba che al confronto Alice di Burton è un capolavoro) un secondo lavoro che figuriamoci cosa fosse le è forse sembrata la sua unica maniera per rimanere ancorata al mondo della musica.
E’ passata anche il 19 febbraio a Milano (a ridosso della settimana della moda se non erro, a dimostrazione che la sete di lucine dello show biz è sempre lì ed è quella di un vampiro) e la gente sembra sia stata tutta con lei come dieci e passa anni fa.
A corollario di tutto ciò un nuovo singolo, Skinny little bitch che io non mi stupirei fosse dedicata a Taylor Momsen di Gossip Girl con cui sembra ci sia stata una faida bella grossa e che è un pezzaccio ruvido e niente male, un po’ troppo prodotto ma dalle parti di Pretty On the Inside.
Guarda te, sta stronza.

Hole - Skinny little bitch (Mp3)

6 anni o giù di lì

18 giovedì feb 2010

Posted by in cinematic, electro, madeleine, pop, post my movies, sounds

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.. e probabilmente in pochi ne sentivano il bisogno ma sembra che il ritorno agli anni 90 sia un qualcosa di fatto (e a me a questo punto viene il dubbio di non esserne mai uscito in un loop che sembra ci sia dietro la sceneggiatura di Lindelof e Cuse).
Il ritorno dei Lali Puna, dopo sei anni è qualcosa che è talmente fuori tempo che neanche la reunion dei Sex Pistols. Una riavviata di lancette così violenta che sembra quasi che qualche meccanismo dell’orologio si sia rotto, tanto era la voglia di risentire e di tornare a stati d’animo quasi dimenticati.
Come se si soffrisse una volta sola e la sofferenza di dieci anni fa fosse una sofferenza differente. Ovvio che non sia così ma il ragionamento è un po’ quello. Quello di un gruppo che ha fatto del coverare sè stesso un must, una chiave di lettura importante e quasi univoca come approccio da e verso l’ascoltatore.
Per me i Lali Puna sono essenzialmente questa cosa qui sotto

quella che è una delle sequenze sì strazianti ma vicine al limite della perfezione da accarezzarlo e poi schiaffeggiarlo.
La canzone era Scary World Theory che è una di quelle canzoni che la prima volta che la senti quasi non ci fai caso e la seconda ti cambiano la vita o quasi. I Lali Puna tornano, quindi e che sia il loro quarto album e che si chiami Our Inventions ha un’importanza molto ma molto relativa.
Di più ce l’ha sentire che le cose sembra che non siano mai cambiate. Che la sofferenza di dieci anni fa magari è sempre la stessa, come la malinconia, come gli anni persi a pensare perchè mai quella traccia non riuscivi a levartela mai dalla testa

Lali Puna - Remember (Mp3) (Via Pitchfork)

Ps ogni volta che inquadrano Olivia Magnani a me si ferma il cuore.

Me, her and seventeen years between us

29 venerdì gen 2010

Posted by in madeleine

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Mia madre ha sempre avuto due cotte: Robert Redford e Peter Gabriel.
Oggi le accompagna con George Clooney (che non lo ammetterà mai ma credo abbia soppiantato nella sua scala di valori l’inarrivabile Redford). Pazienza.
Mia madre non so perchè quando faceva le pulizie il sabato cantava Biko.
Cazzo canti dicevo?
Biko. Diceva lei.
Cioè io vorrei che vi rendeste conto che alla fine erano due ore di Bikooo bikooo becaausee Bikooo. E basta.
Peter Gabriel avrei dovuto odiarlo. Invece no.
Presi So e me ne innamorai. Quando uscì Us dire che ne ho dovuto comprare due copie (una per me una per mia madre) credo renda bene l’idea di quanto possa averlo ascoltato.
Con mia madre nel 1993 andammo a Marino, al Palaghiaccio. Io e mia madre ad un concerto, lei sopra, seduta. Io sotto. Vicino al palco. Il concerto era di Peter Gabriel ed era in un certo senso uno spettacolo che non so perchè si sposava per mille motivi con lo Zoo Tv tour degli U2 che qualche mese prima avevo visto. Un qualcosa di multimediale ed artistoide in grandissimo stile, come al tempo si vedeva raramente.
Non c’erano ancora cellulari e ci demmo appuntamento alla macchina. Io sudato come una merda e mia madre riposata come una rosa.
Bello eh?
Disse.
Io risposi ansimando, non ricordo mica cosa.
Diciassette anni dopo è tutto un incastro di coincidenze, di acqua passata sotto i ponti e di situazioni che faticano a rimanere le stesse. In treno di mattina alle 8 andando a lavoro guardo nascondendo lacrimoni l’ultima (che poi non sarà l’ultima) puntata di Scrubs e nella scena finale parte una canzone, la voce non è difficile nasconderla perchè è quella di diciassette anni fa, la canzone un po’ di più, perchè è una cover (dei Magnetic Fields) che ora è contenuta in un disco.
Finalmente aggiungo io.
Il disco in maniera ironica suppongo si chiamerà Scratch my back e ad occhio e croce anche se è un disco di cover lascia immutati diciassette anni di distanza tra me e Peter Gabriel, le stesse emozioni, e quel ricordo di quella sera di novembre dove per una volta ho visto una persona felice.
E un po’ certi ricordi li devo a me sì, ma anche a lei.

Ad ognuno le sue, di colpe

28 giovedì gen 2010

Posted by in electro, madeleine, pop

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Lo nascondo bene (e di solito non lo faccio) ma con questo, di guilty pleasure davvero ho dovuto farci un po’ a cazzotti. Per un paio di mesi.
La premessa piccola è che per me i Groove Armada sono un gruppo ben oltre il titolo di insignificante, quelli buoni per fare prima o poi l’hit buona per i telefonini, quelli di cui si iniziava a parlare di rimbalzo, perchè in un’epoca in cui nel big beat c’erano i Zidane e i Kakà loro erano il terzino panchinaro buono per l’occasione, quello che vinceva la coppa e la toccava per ultimo ma che insomma, a conti fatti, l’odore dei soldi lo sentiva.
I won’t kneel, pur con tutta la mia prevenzione è un pezzo che amo alla follia, e quando in televisione ho letto chi ne era l’autore ho detto in tutta risposta “no, cazzo”. Non potevo crederci che qualcosa di buono potesse venire da qualcosa di talmente insignificante.
Ora, se non la conoscete non vi aspettata chissà cosa o chissà che livello mai di innovazione. Il brano sembra un classicone uscito dritto dagli anni 80, con una voce femminile un po’ Annie Lennox, un po’ fate voi. Una paraculata a-là Goldfrapp insomma di quelle che è difficile cambiare canale o spingere stop (se poi ci riuscite oh, il problema è solo il mio, ma ci sono abituato). Con quella malinconia giusta lì, da film di storie di decadimento sociale o di coppia lui punk e lei studentessa per bene che alla fine del film si baciano o da serata pop in discoteca, uno di quei brani da domenica mattina alle 4, di quelli che anticipano i lenti che mandano tutti a casa mentre la gente, quelle venti persone rimaste, limonano sui divanetti e tu pensi che è un’altra serata buttata via e domani si lavora.
Tutto questo, i Groove Armada.
E’ proprio vero che sto diventando vecchio.

La danza del colpevolizzatore

16 mercoledì dic 2009

Posted by in alt, madeleine

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Questo post è dedicato alla Prugna Ciemme.

Ho cominciato a scrivere su un blog alle medie e ascolto indie con un vago radicamento ideologico. La mia condizione socioculturale prescriveva che prima o poi tentassi di mettere i dischi da qualche parte.

Tutto ebbe inizio quando il Collega ed io realizzammo che non saremmo mai riusciti a trovare un posto dove ballare quello che ci piaceva a meno che non fossimo stati i diretti responsabili della selezione musicale.
Decidendo di puntare in basso ci rivolgemmo al defunto Capannone, un surrogato di centro sociale che entrambi avevamo frequentato sporadicamente nel corso della nostra giovinezza.
L’unico ricordo estatico che conservo di quel luogo, situato nella gaudente zona industriale di Vicenza, fu il mio primo concerto degli Offlaga Disco Pax. Per il resto emergono soltanto piedi ghiacciati, birra smarza* e l’imperitura sensazione di non essere nel mio habitat.
Il Collega ed io cercammo a lungo un nome simpatico con cui presentarci alle masse, un nome che fosse autoevidente e idiota al punto giusto. Fu così che, vantando un’età complessiva di soli 44 anni, divenimmo Teenage Lobotomy, i deprecatori della gioventù decerebrata.
Nonostante questo durante le due serate passate all’impianto di sottomarca del Capannone fummo soltanto “Baldra e la Maggie” oppure “quei due là che mettono musica mai udita prima all’interno di queste mura e che sono arrivati con i dischi nelle scatole da scarpe”.
La seconda ed ultima volta, prima della nostra opera di selezione, suonarono i Settlefish. Non c’era un cane. Anzi, forse un cane c’era; il “cane del Capannone”, quello che spesso si vede nei centri sociali veneti o in Presidio Permanente mentre corre istericamente senza una meta.
Ad ogni modo ricordo che io ero in piedi vicino al mixer e che mi stavo gelando i piedi. I Settlefish suonarono di fronte ad un folto gruppo di cinque o sei persone. Il dj set che seguì fu un’agonia che tutt’ora fatico a descrivere a parole.
Poi il Capannone chiuse e i giovani berici in bomber confluirono nel No Dal Molin, aprendo così una nuova fase della vita pseudoalternativa vicentina.

Qualche mese dopo il Collega ed io ci recammo al temuto Sabotage Bar per assistere ad un concerto dei København Store.
Il Sabotage è un luogo frequentato principalmente da metallari in cui avevo evitato di mettere piedi per circa due anni dopo che, nel corso della stessa serata, un tizio strafatto mi aveva spaccato a mani nude un finestrino della friabile Subaru M80 e un metallaro in età avanzata mi aveva fatto delle avances esplicite chiamandomi “rossa”.
Dopo il concerto il Collega ed io prendemmo accordi con il boss del locale  e divenimmo “i dj anomali del Sabotage”, nonostante fosse stato messo in chiaro che i København Store erano un’eccezione rispetto alle serate usuali.
Da allora ho cominciato ad amare varie caratteristiche del Sabotage, come l’ottima selezione di bevande alcoliche e la moquette nel gabbiotto del mixer, che mi permette di accasciarmi a terra quando non è il mio turno di manovrare gli attrezzi. Un altro aspetto positivo di questo lavoro retribuito in alcol è che mi induce a riascoltare i dischi che hanno martoriato la mia adolescenza. Quand’ero Margherita F sognavo di incontrare un giovane traumatizzato dal grunge proprio come me. Dato che il Collega si è rivelato essere questo giovane, sfruttiamo spesso le serate al Sabotage come momenti terapeutici, durante i quali rasentiamo l’ubriachezza e ci facciamo fare i complimenti dal boss per aver messo i Pond.
Il fatto che nessuno balli ha cessato di essere un problema dopo che una sera il Collega mise un pezzo degli A Place to Bury Strangers che comincia con una base elettronica e nel giro di un secondo si udì una bestemmia così forte da sovrastare la musica.
A questo si aggiungono plurimi dialoghi simili a questo, avvenuto tra la sottoscritta e un amico.
Io: “Sai che metto i dischi al Sabotage con Baldra?”
Amico: “Ah, allora siete voi quelli di cui mi ha detto Tal Dei Tali”
Io: “Cosa ha detto Tal Dei Tali?”
Amico: “Che ci sono questi due che mettono musica raccapricciante”
Io: “Ah. Grazie”

Se ignorassimo una serie di questioni chiave, tutto ciò potrebbe sembrare molto deprimente. Eppure non è così.
In primo luogo ho combattuto per anni nel vano tentativo di dimostrare ai miei coetanei berici che la musica di mio gradimento non è pallosa, “da donne”, ma soprattutto un qualcosa di radicamente altro rispetto al trash metal o alle schifezze che si sentono alla radio. O meglio, per certi versi lo è, ma questo non significa che sia sensato essere massimalisti e rifiutare tutto ciò che ad un primo ascolto sembra diverso dalle nostre usuali frequentazioni musicali. O sbaglio?
È proprio in virtù di ragionamenti di questo tipo che mi ostino a mettere i Battles al Sabotage. Tra l’altro sarebbero già filologicamente adeguati al luogo in questione (vedi alla voce Helmet), ma questo non è noto agli avventori.
Un’altra questione centrale è quella della legittimazione. Avendo subìto ogni genere di insulto e denigrazione da parte di soggetti di genere maschile convinti che dovessi necessariamente essere più ignorante di loro solo in quanto ragazza, ora mi diletto nel selezionare brani brutali e spigolosi e a dire che la mia conoscenza della “musica da uomini” copre aree più vaste di quella dei miei detrattori senza cervello.
Ad esempio mi piace molto mettere “Shiner” dei Rodan, perché non ho l’aspetto di una a cui potrebbe piacere e al contempo mi diverte l’idea che il mio pubblico stia gustando transitivamente anche una frazione dei Rachel’s.

In ultima analisi il senso del duo Teenage Lobotomy va ricondotto ad anni di isolazionismo autoimposto durante i quali l’unica consolazione parevano essere tutti quei dischi di gente morta da un pezzo.
Ora, quando indosso le mie cuffie giganti e contemplo la gente che si ubriaca, penso: “Ah, stronzi! Mi avete rovinato la vita e ancora lo fate, ma se vi serve un bel dj set a tema non andate mica dalla gente granitica che mette solo reggae o solo elettronica…”
A muovermi è dunque il risentimento e la prospettiva di far sculettare qualcuno bevendo gratis.
Sorprendentemente questa tattica ha funzionato, forse perché la gente ha notato la versalitità quasi maniacale che contraddistingue la sottoscritta e il Collega.
È stato così che il 7 dicembre ci siamo ritrovati a mettere i dischi durante un party nell’unico locale gay friendly della città. Il party in questione originariamente doveva chiamarsi Prega la Madonna. Poi è diventato Immaculate Conception. In ogni caso si è trattato di una festa anticlericale durante la quale ho bevuto un sacco di grappa e vagato con una foto di Ratzinger vestito da Babbo Natale appesa alla maglietta.
L’esperienza si è rivelata moderatamente catartica, considerando la città in cui ha avuto luogo e i miei precedenti presso istituti cattolici.

Poco importa che nel 90% dei casi i miei amici berici non si presentino ai miei dj set millantando giustificazioni ridicole. Sono abituata ad essere piantata in asso.
Ciò che conta veramente è che questa esperienza non fa altro che confermare la mia teoria secondo la quale Vicenza è un luogo infernale in cui tutto ti induce ad ubriacarti ancor prima del tramonto (in estate).
Se non altro ho trovato un modo divertente per farlo gratis.

* poco gradevole e di scarsa qualità

Oh, K..

08 mercoledì apr 2009

Posted by in madeleine

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Da quindici anni tu sei “lo stronzo”,
per un motivo e per tanti allo stesso tempo ma mi spiace, da quindici anni ti chiamo così.
Non è per sfottò, nè per piaggeria nè perchè mi consideri un benpensante e non valuti il suicidio tra le vie d’uscita accettabili (non la penso a questa maniera) ma tu per me sei uno stronzo.
Sei uno stronzo perchè ogni generazione sembra chissà per quale motivo debba avere il suo mito morto e tu non dovevi esserlo, tu dovevi invecchiare, magari ritirarti a vita privata a scrivere racconti, magari a fare il regista o il fotografo o forse semplicemente a completare la tua collezione di bootleg dei Pixies.
Questo.
Che ora i tempi sono anche cambiati, magari staresti tutto il giorno su youtube a vedere se ci sono concerti di vent’anni fa, quandoper i nostalgici  il rock aveva ancora un senso a chiamarlo così. Per inciso è forse da quindici anni che quella parola non ha più questo gran senso, anzi. Dopo di te c’è stato un liberi tutti (semmai non lo sapessi già) di quelli della peggiore specie. Forse oggi staresti ancora a sentire i Melvins e i Pixies davvero, forse gli Hunches o anche no, perchè tanto non credo avresti sentito altro.
Sei uno stronzo ed è difficile da perdonarti non tanto il gesto in sè ma il fatto che tu abbia deciso di non esserci più, così da un momento all’altro. Sì la tua sofferenza, sì la tua apatia sì il cazzo che vuoi ma tu eri davvero qualcosa. E gli anni che ci sono stati dopo ne sono solo una conferma per qualcosa che in fondo al cuore si sapeva già.
Niente sarà mai più così e niente è stato mai più così.
Davvero, ora non è che uno si mette a dire certe cose perchè hai deciso di uscire dalla festa e “sono sempre i migliori che se ne vanno” e “ti si è notato di più perchè non sei venuto”. A me non frega nulla ma te dovevi esserci qui, ora. A “fare cosa” è irrilevante.
Ma dovevi stare qui. Invece hai deciso in qualche modo di trasformare i miei (e di altri) diciannove in un orrido clichè. Di quelli che se penso ai poster di Jim Morrison attaccati ai muri mi mettevo a ridere, da quindici anni io ho tolto i tuoi di poster per non sembrarmi così ridicolo.
Non si può capire a diciannove anni che le canzoni non sono “canzoni e basta”, che il senso vada da un’altra parte mentre la voce va da tutt’altra, non si può.
Non si può leggere una notizia del genere sul televideo alla pagina 103 e non si può fare finta di avere letto male perchè “no dai così no”, non me lo meritavo. E non ti dico questo perchè ho comprato i tuoi dischi e mi meritavo qualcosa di diverso, no.
Non mi meritavo quella roba lì.
Quel momento, intendo.
Come non mi meritavo di capire veramente che the party was over vedendo uno che solitamente suona il basso entrare per un bis con la tua Jag-Stangs bianca e blu con l’impugnatura da mancino per la canzone dedicata a te. Metti in conto che mi hai devastato buona parte dell’esistenza perchè tu, stronzo, mi hai dimostrato che è legittimo non farcela e che la diretta conseguenza è prendere la porta e andarsene.
Spero tu l’abbia capito, tutto questo intendo.

Ciao, stronzo.

qualcosa da scrivere a casa

05 martedì ago 2008

Posted by in madeleine, sounds

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Se mi siedo a pensare a un disco, quello che mi viene in mente non dico 10 ma 7 volte su dieci è Something to write home about dei Get up kids. Non c’è un perchè, in effetti non è il miglior disco che io abbia, o ascoltato o avuto.
Però mi viene in mente quello.
Il fatto è che con Achtung Baby e Sgt Pepper’s credo sia l’unico disco che conosco davvero a memoria ma non credo sia solo questo.
O almeno fosse così sarebbe normale
Invece Something è il disco che si trascina dietro gil ultimi 6-7 anni di vita, ogni scalino salito c’era questa roba qui come colonna sonora, non i Beatles o gli U2.
No, i Get up kids.
Sarà che è stato il disco del passaggio di un momento in particolare, da quando si scherzava ancora a quando le cose si è (per motivi tutti non belli in linea di massima) smesso di considerarle divertenti e si è iniziato a considerarle serie. Del resto il disco era questo, proprio questo una cavalcata non proprio giovanilistica ma quasi, che si chiudeva con I’ll catch you.
Che è e rimane una delle più belle canzoni scritte nel decennio scorso. Questo per essere chiari.
I Get up kids si sono chiusi poi come si chiudono tante cose nella vita, un po’ con rancore, un po’ perchè effettivamente non c’era più niente da dire e in quell’arco di anni lì in effetti a me è successo tutto, dal 98 al 2005 a chiudere con un live che coronava un po’ tutto come un album di ricordi da aprire una volta e poi bruciare.
Io quel disco (e sbaglio lo so) non ho mai voluto ascoltarlo, gli album di fotografie li ho sempre odiati e chi mi conosce sa che è abbastanza difficile farmi foto.
Matt Pryor, il cantante dei Get up kids, ha continuato coi New Amsterdams, che non sono proprio l’idea di qualcosa di indimenticabile e ora il suo disco solo. Confidence man.
Che suona un po’ tutto uguale, un po’ tutto semplice ma la voce è e rimane quella lì, di Something to write home about, un disco semplice, con melodie semplici e tutto acustico, non una roba schifosamente emo come Dashboard Confessional, o eccessivamente triste.
Una cosa normale, come un ricominciare dalle basi. Fare quello che per cui si è nati che vuol dire scrivere canzoni, ora, per adulti, per gente che venti anni li aveva nei 90. E che ora i venti non ce li ha più.
Peccato per chi li abbia ora, i venti.
Peccato perchè non ha, nè a questo punto avrà mai, qualcosa da scrivere a casa..

Matt Pryor – Confidence man (Mp3)

tre di tre

15 martedì apr 2008

Posted by in junkiepop, madeleine

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Me

In tutto questo io mi sistemo a bocca aperta e pensieroso a metà.
In mezzo al fiume, tra gruppi sciolti e ritorni a casa, tra le amicizie rimaste e la sensazione netta che i cambi di scena vuoi o non vuoi si riflettono in cambiamenti personali.
C’è che avevamo un gruppo tanti anni fa e io entrai per ultimo, come dj-basista, poi da lì a breve finì tutto, Carlo tirò su qualcosa di nuovo con Lorenzo e Vincenzo. Un qualcosa tra il post rock e gli Zu. Poi una pausa di due anni almeno con io che vado a convivere e lui che va a Milano e Vinz si sposta in radio, da me. D’incanto tre anni dopo circa rimettiamo su qualcosa insieme, un progetto electro pop diciamo alla Notwist (un po’più sul rock) va, e anche lì un annetto e gettiamo la spugna. Ognuno per le direzioni sue, io dopo qualche mese chiudo anche la convivenza (e passo un periodo enorme di merda per malattie in famiglia e fuori) imparo le canzoni più rancorose degli Afterhours e mi compro due chitarre elettriche, Carlo mi regala il suo Hughes and Kettner, continua e crea i Betty Blue e Vinz se ne va a lavorare a Tenerife.Io ogni tanto prendo la mia Seicento blu, che poi cambierò con una C3 e mi faccio i giri del raccordo e strillo le canzoni che escono dallo stereo. Ne esco sempre illeso.
Quando torna una volta all’anno andiamo sempre al Circo Massimo, ci chiede sempre quando andiamo a trovarlo.
Non rispondiamo mai e ridiamo.
Che cazzo ci ridiamo poi.
Ecco, il mio Despero, ed ecco il mio Non pensarci.

Il mio sogno di tirare su qualcosa, di suonare che lascia spazio a una cosa chiamata illusione, al mio volere chiudere con la musica da club (e smettere anche di fare il dj – avevo detto a 31, ho smesso a 30, mi pare coerente) e trovare nelle quattro mura le risposte che nessuno poteva darmi e mai m’ha dato. Con problemi più grandi, infinitamente rispetto a quello che ritenevo io problemi in quell’istante ho scansato tutto.
I problemi miei alla fine sono diventati una cosuccia, o almeno hanno avuto il loro valore reale.
Il resto dico, senza commiserazione avevo iniziato tra virgolette, ad essere una persona normale, con un lavoro, 9 ore al giorno, le fughe appena si può, non conta se il cinema o a correre, vedere le persone (sono rimasti in tre) che vorresti quando possono e hanno tempo, perchè alla fine oh, non si hanno più vent’anni, la gente a trenta c’ha 1) problemi 2) da fare. Ed è così poi effettivamente. Però va bene così.
C’è che pensi che tu metaforicamente da un palco ti sei buttato quasi mai, forse quando hai aperto un blog, o forse di buttartici non ti ci è mai interessato. Anche perchè di fiducia in giro ce ne è poca.
C’è che di lettere non ne hai scritte molte, ma nel caso hai sempre preferito mandarle (e al limite sentirne parlare come “spazzatura”) perchè alla fine le cose è meglio dirle, non affrancare una busta e poi metterla dentro allo scatolone insieme ai ricordi di gioventù.
Poi hai trentatre anni cristo, qualche rischio te lo puoi anche prendere.
C’è che posso dire che rimorsi non ne ho, nè rimpianti, e forse basta questo. Davvero.

Questa è la cassetta che sintetizza un po’ tutto. (Muxtape)

unopened letter to

27 giovedì mar 2008

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Caro Ryan Adams,
è marzo e fa un tempo da schifo, il che una volta mi piaceva anche sta roba della pioggia tutti i giorni, ora dopo un po’ mi scassa i maroni, tu sicuramente starai da qualche parte a fare un disco nuovo.
A proposito, dear, un consiglio spassionato (poi vedi tu) fai meno dischi, per favore che qui si è perso il conto; lo dico un po’ anche per il bene tuo perchè a me piace (e tanto) quello che fai ma si fatica a starti dietro, poi si inizia a dire che sei uno di quantità e non di qualità e cose simili.
Che magari è vero, eh che se avessi fatto qualcosa in meno non se ne sarebbe accorto nessuno, però è anche vero che responsabile di questa cosa sei te, del resto che ti costa fare uscire un disco ogni due anni.
Vuoi mettere? “Dopo due anni il ritorno di Ryan Adams” invece di “dopo due mesi il ritorno di Ryan Adams” te ne rendi conto da te no?
Io è anche per questo che ti voglio bene, insomma.. bene, ti stimo tanto va, bene si vuole a qualcuno a cui puoi dire almeno “ciao” (o no?) perchè magari un giorno chessò si tirerà fuori la rivalutazione di Ryan Adams e del tuo cantautorato.
Ecco sta roba qui che il tuo cantautorato sia di serie b, poi, me la spieghi? Cioè io sono curioso di capire quale è il problema? Se sia che ti atteggi a figo e sei stato con Winona Ryder o chessò perchè non hai talento, o perchè fai troppa roba.
Anche Sufjan Stevens ne fa troppa e anche lui si atteggia a figo con le alucce ma a lui non dicono niente.
Anzi. Più fa meglio è.
Gusti, ovviamente dietro cui nascondiamo le nostre passioni indifendibili, quelle per cui arriviamo al crociatismo all’immolazione, al pubblico ludibrio.
Ecco io per te non arrivo a questo ma a scriverti una lettera (che si sa, non leggerai mai, ma mi piace comunque farlo) a chiederti un perchè. Uno solo, e solo tu puoi aiutarmi.
Cosa ci hai messo dentro a Love is hell? Il disco dico, anzi i due dischi.
Che già iniziare con un titolo così è un passo avanti eh, ma io parlo di quello che c’è dentro, oltre alla copertina bruttissima (sei egocentrico e si sa) oltre a quel font rinascimentale, oltre a tutto, tu, in quelle canzoni lì che cosa ci hai messo che funziona così bene, che non ha stagione, che anche se stai benissimo ti fanno stare malissimo e se stai malissimo beh, una fine del tunnel te la fanno immaginare.
Ora io non voglio essere sentimentale oltre misura ma sono anni che questo disco tuo funziona, e oh, passati i tempi i mesi, tutto quello che vuoi Love is hell mi sembra diverso, ogni volta.
E so che non sto parlando di un disco che passerà alla storia, tutt’altro che perfetto con canzoni belle sì, ma non memorabili, che se muori domani sarai ricordato per Gold, mica per questo e che boh, forse sopravvaluto io tutto quanto, tanto per farne una nuova.
Ma è confortante sapere che se c’è uno spigolo su cui andare a sbattere la fronte in ogni momento c’è quel disco lì. Che poi hai stampato anche come un disco solo eh, lo ricordo.
Non so, non me lo spiego, spiegamelo tu, spiegamelo tu, tutto questo, il perchè io dica UH! se vedo che la copertina del disco è tra il paccone che Claire consegna a Drew su Elizabethtown (che poi secondo me non era un filmaccio, era un film di Cameron Crowe, punto) che c’è English girls e che insomma che sia un disco che si porti dentro storie non lo pensi solo io.
Questo volevo sapere, caro Ryan, quali storie, che magia, che incantesimo hai fatto per cui sta cosa su di me funziona, e a quanto pare non ha voglia di smettere.
Un abbraccio (fai meno dischi però eh)

Giorgio

Ryan Adams – The Shadowlands (Mp3)

1996 2002 – i sei anni che non sconvolsero il mondo (i dieci migliori dischi nu metal scritti a quattro mani)

11 martedì mar 2008

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Prologo: durante l’ultima trasmissione di Walk this way (a proposito abbiamo fatto un tumblr, sta qui e avrete tutte le puntate d’ora in poi da scaricare, non è un podcast ma ci si arrangia) sono usciti fuori quelli che alla romana chiamiamo, altarini, ovvero il segreto di Pulcinella ovvero che chi vi sta scrivendo per 6 anni ha fatto il dj in discoteca.

Di musica nu metal. Ecco.
Ora, se (come potete sentire) nella puntata, tutto ciò sia giustamente diventato motivo di ironia, soprattutto da parte mia, mi è venuto in mente, ragionandoci, che il numetal, quella stagione lì, così breve ma così prepotente è stata per l’appunto, uno dei momenti discografici e musicali più volatili che io ricordi, pieno di cloni e di menzogne ma, pur nella tragedia foriero di dischi grandissimi.
Io e quel terrorista di Kekko, abbiamo deciso di spiegarvelo al volo, cinque dischi io e cinque lui, almeno quello che è stato il nu metal per noi. Vecchi.
I miei sono i primi cinque. Gli ultimi ovviamente i suoi

Korn – Life is peachy (Immortal)
Che è in effetti il momento in cui il nu metal è diventato un fenomeno di massa. I Korn avevano lasciato indietro i riff tronfi a là Iron Maiden, ribassavano le chitarre che suonavano quasi fossero bassi e Johnathan Davis creò un autentico stile fatto di parlato, rappato, growl. Il tema era tendenzialmente gli incubi e la musica oscura assai. Assuefatti da sesso e altre sostanze illecite i 5 di Bakersfield erano un’autentica macchina. La dimostrazione che il metal potesse diventare fenomeno di massa, come avevano insegnato la via i Metallica. Solo che Life is peachy tendenzialmente è inarrivabile. Per tutti. (Ps contiene una cover meravigliosa di Lowrider, presente fuori in 60 secondi? Ecco)
Korn – A.D.I.D.A.S. (video)

Deftones – White pony (Maverick)
Di solito la carriera dei gruppi nu metal è stata concentrata nei primi due lavori, i Deftones con il loro terzo arrivano alla consacrazione. Partiti da uno stile debitore all’hardcore old school con White pony arrivano a una struttura di canzone che è basata fondamentalmente sulle atmosfere e la splendida voce di Chino Moreno, i ritmi non sono sincopati o rudi, anzi per alcuni aspetti i Deftones vengono anche accostati alla vecchia scuola dell’emo (Quicksand su tutti) ovvero una melodia su un tappeto di pesantezza sonora. L’apice è Passenger con Maynard Keenan dei Tool. Disco perfetto, senza ombra di dubbio. Se c’è stata una sintesi del genere indubbiamente White pony ha avuto una delle formule più efficaci
Deftones - Back to school (video)

Limp Bizkit – 3 dollar bill y’all (Interscope)
Usciti grazie all’aiuto degli (allora) amichetti Korn (l’altro elemento di fama era avere per Dj Lethal degli House of pain dietro ai piatti) il primo disco dei Limp Bizkit è la commistione ideale tra la pesantezza derivante dal nuovo stile nu metal (vedi Korn) unito alla scuola dell’hip hop. Fred Durst non era un cantante ma uno showman vero e proprio e Wes Borland indubbiamente era uno che coi riff ci sapeva fare e tanto. Il disco ne è pieno (Counterfeit e l’epocale Stuck), il disco sarà ricordato fondamentalmente per una cover di Faith di George Michael (nè carne nè pesce) e per essere l’unico “puro” del gruppo, che poi sarà contaminato da quanto di più idiota e trendy e diventerà un gruppo per teenagers.
L’esordio è una mazzata sui denti, roba che ancora a sentirla oggi ci si chiede come faccia un gruppo così a non avere preso il mondo per le palle e pulircisi il culo. Madò che immagine.
Limp Bizkit – Counterfeit (video)

Amen – We have come for your parents (Virgin)
Chasey Chaos che guidava questa armata Brancaleone la mise giù come fosse il punk tornato in terra. In effetti We have come aveva (e ha) tutti i connotati per essere riconosciuto come l’ultimo disco realmente punk della storia. Catastrofico, totalmente rabbioso e senza direzione come il suo leader (tipetto poco raccomandabile che però scriveva tutto da solo esclusa la batteria) prodotto da Ross Robinson che dopo Korn e Limp Bizkit (e At the drive in) non dico fosse come Rick Rubin del gener ma poco ci mancava.
Gli Amen pagavano il fatto di non essere per nulla accessibili, di non avere singoli e di spaventare. Ma il punk è destinato a morire, o meglio chi fa punk vero non arriva nè ai soldi nè al riconoscimento.
Per me sì, però.
Amen – Price of reality (video)

Glassjaw – Everything you ever wanted to know about silence (Roadrunner)
L’emo in un certo senso inizia da qui, o meglio l’emo che poi ha partorito quel connubio tra metal e hardcore che è sfociato in Poison the well e From autumn to ashes. All’inizio scambiati come un clone degli Incubus (di cui però erano sicuramente meno puttane e rispetto a cui si concentravano un po’ di più sull’impatto emotivo della canzone) scrissero autentici manifesti come Sjberian kiss o Ry ry’s song, metal che diventa melodia, anzi, hardcore e melodia.
Daryl Palumbo era il cantante che poi ha sputtanato davvero un po’ tutto non riuscendo a condurre in porto un gruppo che meritava ben altre sorti (è un destino del genere ve lo dicevo) e si è in finale deteriorato alla ricerca del pop.
Ha fatto questo disco però e tanto basta con i testi in assoluto migliori di tutto il nu metal. Altrochè
Glassjaw – Sjberian kiss (video)

Sepultura – Roots (Roadrunner) Max Cavalera è una specie di Giovanni Lindo Ferretti dell’heavy. Si laurea in Violenza negli anni ’80 in mezzo alle favelas di Belo Horizonte con dischi già epocali di death metal terzomondista pesantemente dischargiano, attraversa i primi anni ’90 creando capolavori di post-thrash evoluto ed approda ad un seminale forma di tristissimo aggro-volemosebbène con Soulfly (un progetto solista totalmente dedicato a un figlio morto -manco figlio suo). In mezzo ci sta l’ultimo disco dei Sepoltura in formazione originale, lui e il fratello più Paulo Jr. e Andreas Kisser. Dopo la cavalcatona di Ratamahatta la metà dei metallari progressisti in circolazione se ne va dal parrucchiere a fare i dreadlocks, ma al di là del groova Roots è una nuova frontiera del metallo pesante: tamburoni tribali e chitarre così distorte che diventa quasi impossibile percepire il riff. E il trionfo della poetica di Max: quei bei testi di rivolta proletaria alla sto imparando l’inglese, ma la prossima andrà meglio che lo rendono il grande artista che è
Sepultura – Attitude (video)


Pantera – Vulgar display of power (ATCO) Con Vulgar accontenti sia le fighine che vogliono il pezzettino da ballare sia i punkabbestia, naturalmente se le une e gli altri sono dotati di un senso della misura e dell’umorismo. Non è l’apice della poetica di Philip Vincent Anselmo, la più incredibile rockstar di ogni tempo, e non è nemmeno l’apice di Pantera, titolo che affido senza un secondo di esitazione a quel capolavoro di autismo anti-figa pseudoblackmetal con tendenze suicide che è The Great Southern Trendkill. Ma è senza dubbio quello che ha creato il concetto stesso di metallo groovettone con i break che ti spaccano a mezzo e che ti fanno voglia di saltare un po’ più in alto degli altri nel moshpit per poterli prendere a gomitate in testa. E poi c’è Phil che urla FUCKIIN – FUCKIIN – FUCKIIIN – FUCKIN HOSTIIIIIIIILE, la prima volta che lo senti mandi indietro il nastro e lo riascolti per almeno 43 volte. Naturalmente ora non ci sono più i mangianastri, ed ecco perché non capite un cazzo di che cosa sto dicendo.
Pantera – Where you come from (video)

Helmet – Meantime (Interscope) Questo è il concetto di roba “tasty” che Page Hamilton tira fuori dopo che la ricerca major dei nuovi Nirvana gli ha procurato un contratto Interscope e un pacco di soldi. A livello di intenti Meantime non è per niente diverso da Strap It On (pezzi tiratissimi di chitarra/chitarra/chitarra con una parolina sparata lì ogni tanto giusto per dare l’idea di una canzone). La chitarra ribassata e groovettona che strappa di continuo la inventa Page nella (quasi) title-track. E non ve n’è.
Helmet – In the meantime (video)

(HED)PE – S/T (Jive) Se parliamo di rapmetal parliamo di ‘sta roba qui, che non era mai stata fatta prima e non sarà più fatta dopo. In sostanza è una band di alcolizzati strafatti di speed, nascosti in terza o quarta fila tra le pieghe del giro California (SOAD/Snot/Incubus e quant’altro). Il primo disco viene realizzato in stato d’incoscienza e consta di un dj che suona così peso nel mixaggio da far dimenticare bene e spesso che c’è anche un gruppo che suona sotto e di questo improbabile MC con vocetta petulante tipo Ldz Of Bklyn. Viene fuori la roba più psichedelica del crossover di ogni tempo, alle volte arrivare alla fine del disco ascoltando ad alto volume può dare problemi percettivi per diverse ore. Problema sormontabile: in genere lo si ripesca per la sola Serpent Boy, il singolone dell’anno ’97 per chi ha avuto il privilegio di ascoltarla.
Hed(Pe) – Serpent boy (video)

Machine Head – The more things change (Roadrunner)
Robb Flynn sta a J Mascis come Max Cavalera sta a Giovanni Lindo: il quadro complessivo della biografia del suo gruppo lo fa sembrare un paraculo pieno di soldi e con il trip dei chitarroni che caccia via qualche membro del suo gruppo di tanto in tanto giusto per non perdere l’abitudine a farlo. Se metal moderno dev’essere, metal moderno sia: il primo disco dei Machine Head è una sorta di Cowboys From Hell risuonato con gusto, il secondo spinge peso verso il recupero di tutta la scuola Discharge/GBH e la mixa con tutto quel che tira in quegli anni: Korn, Nirvana, Sepultura, robe così. Sembra una cazzata a dirla, ma viene fuori un discone di inni da cantare a squarciagola fomentandosi come dei pazzi alzando il pugno chiuso (o le corna) e ruttando in faccia alla morosa. La mia preferita è Struck A Nerve, ma c’è Violate, Blood Of The Zodiac, Ten Ton Hammer…
Machine Head – Ten ton hammer (video)

the beginning is the end is the beginning

07 giovedì feb 2008

Posted by in madeleine

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Ieri avevo in mano l’ultimo numero di Rolling Stone, per inciso, la pseudo intervista a Chan Marshall (che poi quando mi dicono che io se ne parlo, lo faccio ai limiti dell’agiografia presenterò il conto tirando fuori il numero in questione) e mi sono fermato su una domanda che viene posta al redattore, una volta tanto.
Che cos’è l’amore.
Ora io non sono in quell’età in cui cerco di tirarci fuori un ragno dal buco, di capire, di guardare film e farmene un’idea. Perchè insomma il più delle volte è farsi un’idea del perchè di fallimenti, bene o male, e dopo che uno ha lavorato dieci ore non è che abbia voglia di autopsicanalizzarsi a tal punto. Fa spallucce e si dice
“Sì beh fallimenti” come dire “ah, un’altra puntata di CSI Las vegas”
Quello che ho in testa ben chiaro è come finiscono le cose d’amore, insomma (toh il pupazzo che scrive di cinema e musica ha una vita – sì, a volte) come queste siano un collage, un mutaforma.
Un esempio di cut up smozzicato, di collage di pezzi presi qui e lì.
Dalla litigata finale tra Dylan Ebdus e Abigail ne La fortezza della solitudine e in quel “ho capito qual è il mio posto”, nella non rassegnazione del protagonista de L’amore giovane, non basta vestirsi bene, non bastano i fiori, non basta patchare windows figurati una testa e un cuore; nell’incontro tra i due ex di Your ex (appunto) lover is dead, nel sollievo di Yes I think we’ve met before. Nella parola mess, e in come la usa PJ Harvey, sempre a ragione, sempre e solo in chiave disperata.
Mess è una cosa diversa dal “casino” di Jovanotti.
In lover’s spit, e in quella frase crudele e realistica And they listen to teeth to learn how to quit , e nella faccia che fa Tony Leung quando si sente dire su Lussuria “vai via”. Come se abbandonare fosse facile, come un ctrl+alt+canc e via.
Frullo tutto e ho chiara un’idea, solo che più di così non riesco a renderla cristallizzarla.
E mi rendo conto che c’è nitidezza solo nella fine di qualcosa, nei suoi angoli così definiti, lucidi e scintillanti. Quasi orgogliosi di essere lì, come i muri di monitor messi a bordo palco davanti a un gruppo.
Lì è il confine tra te e loro, lì è qualcosa che in parte non senti, lì sono i confini tra te e uno sguardo sulla fine.
Mi viene da dire quasi che comunque vada a quella domanda lì di inizio post c’è solo la risposta che dà Amy Winehouse. Bene che va perdi.
Non dovevo leggerlo quell’articolo, e non dovevo fermarmi su una domanda del genere, chè anche se va tutto bene (e tanto anche) riesco comunque a diventare pesante, me ne rendo conto.
Agiografico. Tsk.

Feist – Lover’s spit (live)(Mp3)

My name is Rivers

03 lunedì dic 2007

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Uno di quei tratti distintivi che hanno le persone che mi stanno vicino è che la stragrande maggioranza ama particolarmente i Weezer.
Vuoi per una questione biecamente anagrafica, vuoi perchè sono intelligenti, vuoi anche in ultima analisi perchè in molti hanno sempre ascoltato musica sfigata ed identificarsi con un gruppo di sfigati che cantavano canzoncine da Incanto sotto il mare e sembravano i nipoti di George McFly non è che venisse facile, no.
Era una legge praticamente naturale.
Da lì, da quell’inizio con un Blue album che rientra tra quelle cose che ho avuto la fortuna di vivere in tempo reale e non per raccontato (assieme al Drive in e ai consigli musicali di Rick Hutton e Mixo), io e un po’ tutti quelli lì abbiamo visto i Weezer passare per uno dei grandi dischi incompresi della storia come Pinkerton, un problematico Green album e una lenta e inesorabile discesa verso la normalizzazione.

E per normalizzazione intendo classifica, Mtv e i video con conigliette di Playboy e Weezer che avevano perso quel loro habitat naturale di sfiga diventando alfieri veri e propri di un genere che poi, in un certo senso è l’immediato predecessore del punk emo.
Non ci si riconosceva più, noi eravamo cresciuti, le canzonette le avevamo abbandonate e loro facevano i video coi Muppets. Un po’ una macchietta di sè stessi.
Un modello per le nuove generazioni che non aspettavano altro per sentirsi sfigati. Sfigati e cool.
Praticamente sono a un punto dal dire che è stata quasi tutta colpa loro, e che si sono fatti fregare con le proprie mani. Anzi lo dico. Cosa succede ora, che alle soglie del sesto lavoro, Rivers Cuomo, quell’icona di nerdaggine che un po’ tutti abbiamo imparato ad amare pubblichi un disco di demo (tra cui l’anthem Say it ain’t so, chi non sa di cosa parlo corra ai ripari e di corsa) con lavori precedenti al Blue album fino al presente.
E dire che finora avevamo imparato a sentirci soli, a gestire da soli la nostra insulsa goffaggine e irrisolutezza.
Ora che facciamo, ricominciamo da capo e ritiriamo fuori gli occhiali a montatura pesante che non abbiamo mai buttato via?

Rivers Cuomo – Pig (Mp3)
Bonus track
Weezer – Suzanne (Mp3)


una volta tanto ho avuto fortuna

02 venerdì nov 2007

Posted by in madeleine

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E il titolo viene dopo avere scoperto che la mia macchina è stata aperta e una valigia di cd fottuta, olè.
Scisma ed Elettrojoyce insieme al Frontiera è come parlare di una visione. Non ci sono più gli Elettrojoyce. Non c’è più il Frontiera. Non ci sono più gli Scisma. Quel concerto però, quel concerto lì, dovessi parlarne direi tranquillamente che è un qualcosa di irripetibile, unico. Premetto, lavoravo al tempo per una radio che collaborava col Frontiera (vabbè su, Radio Rock) e si faceva un tifo stile ultras per l’esordio su major (e al tempo era come dire cheneso, sei al superenalotto e passare sotto la casa dei genitori col Ferrari giallo a suonare col clacson e tutto il quartiere strilla “Ce l’hai fattaaaa!”) degli Elettrojoyce, e venne in mente agli organizzatori, di proporre l’accoppiata con gli Scisma.
Io degli Scisma conoscevo solo Rosemary Plexiglas, il video e sinceramente neanche mi piaceva sto granchè. Tifavo per Filippo Gatti, perchè lo conoscevo, era uno di casa, e mi interessava vedere il loro live, se sul palco Girasole e Balena riuscivano ad essere come sul disco.
Dietro, nel backstage prima del concerto erano tutti fuori dalla grazia di Dio. C’era un buco in alto sul muro dietro al palco, lì ci si affacciava come se si fosse proiettori di un cinema per vedere se la sala si riempiva. Il locale era stracolmo, una cosa mai vista. Filippo a un intervista per la mia radio diceva che “non c’era neanche così tanta gente al concerto di Venditti dello scudetto dell’83 al Circo Massimo”, erano elettrizzati.
Tutti.
Tutti tranne gli Scisma che erano bianchi in faccia. Sara Mazo appoggiata al muro e Giorgia (la bassista) che smaniava e sembrava una pallina di flipper all’interno delle colonnine degli special, l’unico tranquillo era Benvegnù che sembrava passato di lì per caso, quasi un amico loro venuto a fargli compagnia.
Loro erano i secondi, aprivano gli Elettrojoyce, anche se a Roma probabilmente erano anche più attesi ma non c’era problema, a quanto sembrava. Sembrava una via crucis. L’aspettare. Come il tuo turno all’università che non arriva mai. Gli Elettrojoyce aprirono con una cover dei Joy Division (Transmission) e vestiti completamente di nero fecero un live della Madonna, impeccabile, pulito. Tutti a dire “mo voglio vedere questi che si inventano”. Sara Mazo sale sul palco, vestito di paillettes blu a mezza coscia, boa di piume nero, Benvegnù in completo marrone e i capelli davanti la faccia alla sua destra, la tastierista dietro, che faceva così retrò, Giorgia a sinistra e più in là il secondo chitarrista (erano ancora in sei). Dietro ovviamente la batteria. Da lì, dalla prima nota ho capito cosa volesse dire trovarmi di fronte a qualcosa che avrei ricordato per anni.
Un concerto irripetibile, unico, iniziato non conoscendo per nulla Rosemary Plexiglas imparai ad amare all’istante le canzoni. Ma non nel senso “uh carina questa”, avevo i brividi, volevo il cd in mano che non avevo, volevo risentire quei riff ancora e ancora e ancora. Volevo rivedere quelle sei persone muoversi a quella maniera e buttarmi addosso quelle note che mi parlavano di tutto, di wave, pop e shoegaze.
Ci rivedevo i My bloody valentine quanto gli Smashing Pumpkins di Siamese Dream, quanto i Blur di Parklife. Tutto insieme. Tutto in un’ora di concerto e per le mani di sei individui che si chiamavano Scisma. A volte si è fortunati. A volte.
Una volta tanto è toccato a me.

Scisma – Negligenza (Mp3)


monster, perdere e tutto quello che c’è di mezzo..

30 martedì ott 2007

Posted by in madeleine

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Avessi un qualcuno a cui lasciare qualche memoria gli direi che Monster è un disco pericoloso.
E’ un disco pericoloso perchè l’ho sempre visto come un disco che chiudeva cerchi, e i cerchi, secondo me a volte più sono lasciati aperti e meglio è.
Ecco per me in un certo senso gli anni novanta sono finiti nel 1994. Nel settembre del 1994.
Quando usciva Monster.
Era annunciato da un riff di tre accordi, saturo, come niente altro nella storia dei R.E.M., la classica canzone usata per mettere le cose in chiaro da subito. Si parlava a un certo Kenneth, anche se un testo vero e proprio, cioè, un senso vero e proprio non è che quella canzone lì ce lo avesse. Non ce lo voleva avere probabilmente.
Poi Michael Stipe beato chi lo capisce, almeno quando parla nelle sue canzoni di Kaufman, magliette di verde violento, re delle commedie vari ed elefanti da spingere su per le scale.
Neanche uno in stazione parla così, ve l’assicuro. Quelli in stazione però non cantano così.
I R.E.M. erano passati da un disco prevalentemente acustico che parlava di assenze e morte ad uno che sembrava fosse a primo acchitto d’impatto. Un disco rock, magari facendo le corna metal.
In parte era così, in parte e a prima vista.
Dal secondo ascolto in giù Monster si rivelava per quello che era, un requiem, una chiusura, la parentesi che chiude un’epoca probabilmente, nata con le chitarre sporche del grunge e morta 5 mesi prima con uno sparo in testa.
Sul secondo lato (perchè Monster non è un cd, ma è un album, con lato a e lato b) c’era Let me in.
Ecco Let me in probabilmente mi ha insegnato che la morte, quella che non ti aspetti, quella che non ha senso e che davvero uccide una generezione può iniziare con Yeah, all those stars drip down like butter,In promises, a sea. We hold out our pans, lift our hands to catch them coperta da un magma di chitarre.. una marea di distorsione, quasi eccessiva, violenta.. quasi gratuita..
La voce di Stipe saliva come dall’oltretomba, e alla fine un organo..
Come in chiesa, come se quella morte lì, quella del biondo, potesse essere celebrata solo così.
Sappiamo tutti che avrebbero dovuto fare un disco insieme, sappiamo tutti che quel disco non c’è mai stato perchè quell’aereo non è mai stato preso.
Sappiamo tutto quello che non c’è stato e mai ci sarà. Stipe lo sapeva, lo sa, e scrisse quella canzone.
La suonava Mike Mills, non Peter Buck, e la chitarra era un incrocio tra una Mustang e una Fender, bianca e azzurra. L’aveva lasciata Cobain e finì a Stipe, perchè era giusto che fosse così.
In un certo senso Cobain ha suonato sè stesso, il suo requiem.
So questo, so che Monster è stato anche tutto il resto, il quasi punk di Star 69 (un incidente tra Orange Crush e It’s the end of..), il soul di Tongue (12 anni prima di The greatest a sentirla ora viene da sorridere), le slabbrature di I took your name e lo sporco politically uncorrect di Crush with eyeliner. Il Beatlesianesimo di You e i REM senza puntini e detti REM di Bang and blame, l’unica concessione a sè stessi.
C’era anche Strange Currencies che un mestierante (stavolta davvero però) uscito dalle feste dell’Unità copiò in maniera imbarazzante (video compreso) e fece diventare Certe Notti.
Ma Cristo.
C’è anche tutto questo.
Monster però rimane Let me in, e la maniera con cui ho capito cosa vuol dire perdere.
E non rendersene conto.

R.E.M. – Let me in (Video)

i’ve learned to memorize better..

29 lunedì ott 2007

Posted by in indie, madeleine, sounds

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Il disco è uscito a marzo, io l’ho consumato tutto l’anno, ho perso il loro concerto mi scordo spesso di parlare di loro con chi conosco ma gli A toys orchestra sono tra quelle piccole grandi cose prodotte qui, in questo paese che un valore comparabile col resto ce l’hanno.
Essì che Technicolor dreams è un cd che se uno ha un briciolo di cuore rimasto è una di quelle cose che si attaccano dentro, che ti ricordano di quando quella volta da solo ti sei imbarcato per quella salita infinita che porta ad Abbey Road e a quando pensavi, una volta qui ci venivano loro. I Fab four mentre stanco dopo averne lette le scritte ti sei appoggiato al muretto a guardare la strada e ad aspettare che iniziasse a cadere la pioggia.
Gli A toys orchestra sanno come far fare quella salita a memoria, come scrivere dei piccoli capolavori (io non saprei neanche dove cominciare a snocciolarli tra Mrs Macabrette, Letter to myself, Powder in the burns, inizierei e non finirei mai), e so che parlarne ora di questo piccolo “miracolo” è anacronistico.
Fatto sta che in una domenica pomeriggio passata nel mio piccolo studio, con i giornaletti Marvel, qualche serie tv e i poster alle pareti, la musica scorreva lenta quando mi sono reso conto che avevo messo sul il disco (con un packaging commovente) per la seconda volta.
E che ogni tre minuti mi giravo verso il poster di Abbey Road.
Quindi cantavo i write a letter to myself e la mischiavo a mille altre cose come Lazy flies di Beck o Julia o Here, there dei Beatles parole comprese, facevo un mashup di me e di questi due anni da quella salita e non sapevo se ridere o piangere. So che le madeleine proustiane mi si sono messe tutte davanti a un vassoio e io non ne avevo per niente voglia.
A volte i dischi hanno questa responsabilità, a volte le cose come gli A toys orchestra non c’è bisogno di aspettare che diventino grandi.
Lo sono già.

A toys orchestra – Letter to myself (Mp3)


in the someday what’s that sound?

05 venerdì ott 2007

Posted by in junkiepop, madeleine, sounds

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La differenza base tra indie e rock sono i motivi della fine.
I gruppi indie si sciolgono, le icone rock muoiono (prima o poi) tutte. Di morte non naturale, ovviamente.
Di morti rock ne ho viste qualcuna, Andrew Woods (Mother Love Bone), Shannon Hoon (Blind Melon), Mark Sandman (Morphine, e lì c’ero anche fisicamente) e ovviamente Cobain.
Saltate a priori le inevitabili ingiurie e considerazioni di fatto sulle speculazioni in atto, presenti e passate di Courtney Love (Yoko Ono al confronto è la migliore vicina immaginabile), ma la morte di Cobain è stata il vero ed unico fenomeno di massa musicale da 13 anni ad oggi. Indubbiamente. Sì c’è stato il casino di Roskilde con i Pearl Jam, il Woodstock che qualsiasi cosa veniva incendiata, ma quello che ha segnato la morte di Cobain può essere comparato solamente allo scioglimento dei Beatles.
Il chiaro segnale che finisse qualcosa con la fine di una persona, semplice, in Converse e capelli sporchi. La fine del grunge (anche se in effetti il grunge, semmai fosse esistito, era finito prima di nascere).
Nessuno ha cercato di misurarsi col “raccontare” Cobain, c’è stato il documentario stile Blunotte Kurt & Courtney, l’ispirato (?) omaggio di Gus Van Sant con quello che alla fine verrà considerato il suo film più imperdonabile ed ora arriva Kurt Cobain: About a son (qui lo splendido trailer)
Che forse parte dal presupposto più giusto, ovvero che nessuno riesca a raccontarsi in maniera migliore di sè stessi. Pertanto sarebbe dovuto uscire un libro: Come as you are (parliamo del 2003) e AJ Schnack raccolse una quantità sufficiente di materiale tra interviste e commenti passeggeri sui Nirvana, Cobain, Seattle, e la “scena”.
Non l’ho visto ma, come dire, i presupposti ci sono.
O forse sarebbe bastata la splendida colonna sonora, con le canzoni più amate da Cobain, con gli artisti che più lo hanno segnato, e ricordo che ai tempi c’era VideoMusic e le interviste sottotitolate, io lì per la prima volta ho sentito parlare di Bad Brains, Melvins, Lead Belly, Vaselines, parte delle sue canzoni preferite.
Compresi i R.E.M., Cobain avrebbe dovuto fare un disco con Michael Stipe nei giorni in cui si sparò in bocca. Sarebbe stato il disco del secolo, e sarebbe stato sullo stile Automatic for the people (tant’è che in About a son c’è New Orleans inst. No 1).
E’la mixtape di Cobain. Un’idea semplice. Eppure emozionante, perchè c’è tutto, c’è anche come c’è arrivato a fare i Nirvana, a distruggersi.
Tutto.
E c’è anche un omaggio doppio, uno in stile Robin Guthrie, l’altro proprio in “solo” di Ben Gibbard, a scrivere i titoli di coda, con un pezzo strappacuore.
Kurt ci ha lasciato l’ultima sorpresa.
Coi capelli un po sporchi e la barba di due giorni.

Ben Gibbard – Indian summer (Mp3)


15 anni di "quote" sui Pearl Jam

24 lunedì set 2007

Posted by in junkiepop, madeleine

≈ 12 commenti

E’ passato quasi un mese da quando postai Hard Sun, nuova canzone del nuovo disco di Eddie Vedder, poco più di un anno da quella splendida notte di Pistoia.
1) I PJ sono stati rovinati da Neil Young quando suonarono con lui Mirrorball, loro fecero Merkinball e ci misero la loro migliore accoppiata di canzoni
2) Su Mirrorball c’era una palla da discoteca in copertina, su Merkinball una palla da demolizione
3) Neil Young ha illustrato a Vedder le vie del cantautorato, da lì ogni disco dei PJ ha avuto almeno 3 ballatone, almeno eh, che poi voglio dire, Mirrorball era un disco puramente rock.
4) Eddie Vedder era ed è surfista, viveva in una catapecchia sulla spiaggia e ora fa il film con Sean Penn e fa il surfista figo intellettuale. Quello che “le cose le sa”
5) I PJ di spalla agli U2 avevano Abruzzese alla batteria, per molti dopo di lui i PJ non sono più stati gli stessi, io rispondo sempre che senza di lui hanno fatto Vitalogy
 6) Eddie Vedder s’è sposato in Campidoglio, con un completo color malva, avevo le foto. Ora non le ho più.
7) Mike McCready nell’ordine è stato, drogato, coi dolori di schiena, bevuto. Il risultato è che ha la panza e sul palco prima suonava in trance ora si muove come Pete Townshend
8) sì fa pure le sforbiciate
9) le fa pure Vedder
10) Gossard invece sembre un impiegato del catasto
11) Ament nei Three fish fece grandi cose (io confondevo i Three fish coi Three mile pilot, succede), Gossard coi Brad fece i primi due dischi meravigliosi
12) Vedder da solo, partigianeria a parte ha fatto un disco superbo.
13) sì il disco che si aspettavano tutti
14) Che poi scrivila te Long Road
15) Dead man walking il film (con Sean Penn pensa le coincidenze) aveva Dead man walkin di Springsteen e Long Road di Vedder (con Nusrath Fateh Ali Khan) facevano un ep era lo stesso, avanzava pure
16) i PJ non hanno fatto un disco brutto, sottotono sì (Riot act anche se è il messaggio a contare in quel caso, che Binaural sia brutto non lo dirò neanche sotto tortura, un disco che ha Sleight of hands è bello a prescindere)
17) Eddie Vedder a Pistoia aveva un foglio da cui leggeva le frasi in italiano, sembrava Benedetto XVI
18) Ricollegandomi al post di Colas, una sera sì e una sera no a Roma a Il Locale finivano a fare cover dei PJ, quando le fece Marco Cocci un bicchiere di vetro stava per prendere il volo dalla mia mano
19) Staley è morto, Cobain è morto, Lanegan è marcio, Cornell canta James Bond 20) Vedder è in splendida forma
21) Abruzzese l’ha cacciato Vedder dal gruppo, pare gli stesse sulle balle, il Rolling stone al tempo pubblicò un suo identikit da cui ne uscì despota, non ha più rilasciato interviste
22) i PJ per almeno 5 anni hanno ridicolizzato il metal, gli teneva testa solo il Black album dei Metallica
23) c’è solo un altro gruppo con l’attitudine dei PJ e sono i Wilco
24) ovviamente ad oggi
25) Vedder ha suonato Against the 70′s sul disco tributo a Mike Watt che non trovo, chi ce l’ha anche in copia lasci un commento o mi scriva una mail, pago anche. C’era anche un pezzo di Mascis, meraviglioso.
26) non scherzo pago veramente
27) quando uscì il video di Jeremy andavo al liceo
28) i PJ hanno fatto il video più bello della storia
29) i PJ fanno le cover degli Who, mica cantano We shall overcome, con tutto il rispetto.
 30) i PJ a Pistoia hanno suonato la mia loro top five.

Pearl Jam – I got id (Mp3)
Pearl Jam – State of love and trust (Mp3)
Pearl Jam – Breath (Mp3)
Pearl Jam – Porch (Mp3)
Pearl Jam – Corduroy (Mp3)

Tutti live a Pistoia

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