Ciao a tutti, mi chiamo Lenny e ho un problema. Sono un collezionista e sono ossessivo compulsivo in maniera, a volte, preoccupante. Ho cominciato da bambino aspettando che tutti i mercoledì mia madre mi portasse la dose settimanale di Topolino, per poi passare, alle medie, a Dylan Dog, a Videogirl Ai e all’ondata manga della seconda ora fino alle calzamaglie di Marvel e Image, al fumetto d’autore e un sacco d’altra roba che ancora mi porto dietro. Questa cosa dell’accumulare credo di averla nel dna, mia madre è una donna vecchio stampo, di quelle che non buttano mai via niente e mia nonna era come lei. Negli Stati Uniti ci chiamerebbero Hoarders. Con i dischi ho cominciato facendomi regalare Big Ones degli Aerosmith in cd, per inaugurare lo stereo nuovo. Credo di averlo ancora da qualche parte, il disco non lo stereo, quello non ha resistito ai traslochi e alla vita da fuorisede. Invece i primi album che ricordo d’aver comprato di tasca mia, ad una svendita in un negozio che noleggiava dischi, quando ancora non era illegale farlo, sono stati Troublegum dei Therapy?, The Bends dei Radiohead e Disintegration dei Cure. Nemmeno io so perchè li presi, probabilmente erano cose che ascoltavano i miei cugini e io non volevo essere da meno. Fatto sta che tutto è cominciato lì (e ancora li ascolto). Poi è arrivato Dookie e la risacca dell’ondata punk di metà ’90. Offspring, NOFX, Pennywise, Vandals e tutta quella roba, i capelli decolorati, le creste, le sbronze, le braghe larghe, i primi veri concerti. I pellegrinaggi alla bancarella del Cattaruzza alla fiera di Senigallia e da Zabrieskie Point, il sabato, dai quali non si tornava mai a casa senza almeno un disco nuovo da ascoltare, passare su cassettina e far girare come una canna tra gli amici fino a consumarlo. La scoperta che i vinili non erano solo quelli di Battisti e degli Eagles dei miei genitori, la scoperta dei Gorilla Biscuits, dei Sottopressione e dei Growing Concern, delle distro, gli ordini online a Rudy degli Indigesti e a For the Kids del Paso che vendeva i cd a 16.000 lire. A casa mia c’era più traffico, tra pacchi di dischi e fumetti, delle poste centrali. Come se non bastasse è arrivato il peer to peer e, dagli mp3 ultracompressi a 128kbps che potevi scaricarti come sampler dai siti delle etichette, si è passati a scaricare gli album. Soulseek è stata la svolta e ho cominciato ad accumulare cartelle di file e cd e dvd masterizzati, zeppi di file pure loro. Una mattina è persino arrivata la polizia postale a sequestrarmi tutto, ma a parte qualche mese di stallo, appena son riuscito a rimetter le grinfie su un pc, sono ripartito come niente fosse. Ancora penso a qual dvd zeppo di album Black Metal e a quanto sarebbe stato bello vedere la faccia del brigadiere addetto al controllo del materiale. Immagine che probabilmente è successa solo nella mia testa.  Sono uno di quelli che una manciata di anni fa s’è riscoperto fanatico del vinile e ha smesso di comprare cd. Invece del Billy ho un Expedit, che sembra fatto apposta, coi suoi cubi, e li ho messi lì. Un vinile colorato gatefold con la copertina serigrafata in 100 copie mi provoca un’erezione istantanea. Le edizioni limitate, anche di dischi che ascoltiamo solo io, i componenti della band e probabilmente i loro parenti, mi fan correre a cambiare le mutande. E lo so che è da poverini. Faccio la spesa all’altromercato e tutte quelle robe lì, cerco, per quanto possibile, di evitare di comprarmi cazzate inutili ma fammi vedere un doppio vinile black/marble splatter da 180g e non capisco più niente. Niente. Zero. Dimmi che è in 100 copie e ti do in cambio mia sorella. In uno dei miei film preferiti (se volete apro una parentesi anche sui film, che non compro se la locandina stampata su dvd o bd non mi soddisfa esteticamente) c’è una battuta che fa più o meno così “Le cose che possiedi alla fine ti possiedono”. Io di questa frase sono l’emblema. Ho comprato un disco anche prima di mettermi a scrivere questo pezzo, Old Pride dei Pianos become the Teeth, rosso trasparente in 200 copie. Sono anche uno di quei disperati, e questo lo so bene che è roba da pazzi, che i vinili non li ascolta per paura di rovinarli, tanto ormai c’è il download code a 320 kbps. L’importante è supportare le band. Mi ripeto che li ascolterò quando riuscirò a comprarmi un impianto con i controcazzi che non me li graffi e per il momento mi accontento di metter su una playlist, tirar fuori il vinile, ben attento a non lasciare ditate, e leggermi testi e credits rimirando l’artwork in formato 30×30, cosa che, peraltro, accade sempre meno spesso. Il tempo a disposizione è quello che è. Non so quanti dischi ho, mio padre dice troppi, io non ho mai avuto voglia di contarli, la mia malattia arriva fino ad un certo punto. E’ che credo di essere davvero ossessionato dalla musica. Secondo la mia morosa ho paura del silenzio e magari ha ragione, perchè lo stereo è sempre acceso. Per fortuna non sono uno di quei rompiballe che sta sempre a dire quanto fossero più fighi i gruppi di una volta e quanto facciano cacare quelli di adesso, anche se probabilmente è vero. Io se sento nominare un gruppo devo correre a sentire che roba fa e leggere di dov’è originario e quanti album ha fatto uscire. Se no muoio. Una volta pure io ero più fico, ora faccio un lavoro merdoso, senza prospettive, e tra i pochi piaceri che ho ci sono lo scoprire un gruppo nuovo, un bell’album, spulciare i dischi in una distro o in un negozio, anche online, magari un album usa e getta che tra sei mesi nemmeno ricorderò, perchè ormai a furia di scaricare l’ascolto è più superficiale. Ma sticazzi se è bello.

L’avevo promesso che non avrei parlato di PJ Harvey per un mese, quindi parlerò del nuovo bellissimo disco di John Parish, che casualmente vede coprotagonista PJ Harvey.
Passatemela su, siate buoni, è da un po’ che state assistendo al declino infantile di un uomo perchè fermare questa discesa agli inferi.
Per un disco così, A woman a man walked by il titolo, non ci sono scelte se non il traccia per traccia, perchè farne un tema unico, almeno per me, è impossibile

Black Hearted Love – è una di quelle tracce che ha la capacità di costituire il tema ideale di PJ Harvey, ad ascoltarla potrebbe essere incluso in uno qualsiasi dei suoi dischi “centrali”, da Is this Desire, a Stories a Uh Uh Her, guida una chitarra a tratti sinuosa e ruvida, un’esplosione centrale. Sembra una delle produzioni di Albini di In Utero.

Sixteen, Fifteen, Fourteen – quando la voce di PJ diventa quasi mantrica, una preghiera quasi da rock art cabaret, testo guidato da nomi di donna, si conclude in un qualcosa che sembra una delle zingarate alla Stones fine anni 70. Ipnotica e ossessiva

Leaving California – Voce in falsetto e un piano filtrato, una di quelle tracce che entrano di diritto tra le outtake di White Chalke, almeno come spirito. Evocativa, lancinante.

The Chair – Qui invece le atmosfere scendono ai tempi di Is This Desire, blu e diafane nella loro leggerezza e nel loro senso di incompiutezza, con break drammatici e sospesi.

April - PJ miagola (presente quando prenderesti a cazzotti in bocca le CocoRosie? Ecco), organo e batteria e basso a riempire. Sono convintissimo che a suo modo è una ballata tipica dello jazz club che può avere in mente una come lei. Distorta, scarsamente rassicurante e nera nella sua acidità

A woman a man walked by – dall’ascolto del cd era evidente alla terza traccia che PJ stesse ripercorrendo tutta la sua carriera, aspettavamo tutti il ritorno a Rid Of Me, furiosa, con batteria sincopata e un cantato tra la macchietta interpretativa, strilli e sospiri languidi. Fa molto discutere il suo strillo “I want your fuckin ass”. Forse non ci si rende conto che la Harvey fino a poco tempo fa (e tutt’ora vestita da signora della morte) canti “lick my legs I’m on fire”.

The Soldiers – E’ PJ Harvey che diventa un po’ Woodie Guthrie un po’ la mamma che sul bordo del letto canta la buonanotte. Minimale, rassicurante, bellissima. Un’altra che è collocabile per stile dalle parti di White Chalk, con un pianoforte spettrale e un organetto a fare i dueling banjos della situazione

Pig Will Not - Quando arrivate a questo punto fate una cosa. Spingete pausa, alzate al massimo e spaccatevici le orecchie. Questo è perchè per molti quella lì di Rid Of Me o di Dry non c’era più, era andata e affogata negli occhiali da sole e da una messa in piega. Auguri

Passionless, Pointless – Mi viene da dire atmosfere shoegaze, chitarre filtrate e in linea con un suono molto Slowdive, PJ sintonizza la sua voce che scalda e riempie i vuoti.

Cracks in the canvas – Il saluto del disco, recitato come guida per la voce mentre un’altra PJ lontanissima dietro interpreta il fantasma di sè stessa. Non so perchè ma mi fa venire in mente la Sweet Jane rifatta dai Cowboy Junkies. Brevissima eppure così completa.

Volevamo tutti il disco della definitiva (e non ce ne era bisogno, dopo White Chalk) consacrazione di quella che a conti fatti è l’artista femminile più importante e influente degli ultimi vent’anni. Eccocelo servito, su un piatto d’argento. Roba che bisognerebbe inventarsi un premio Nobel, per robe così.

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E ricordo ancora la prima volta che mi trovai davanti alla cosa chiamata Pearl Jam: andavo spesso a Porta Portese e dove “stavano i russi”, sotto Piazzale della Radio, c’era questo ragazzo alto, magro e con gli occhiali, perennemente col chiodo. Vendeva cassette duplicate, una roba che ovviamente non era il massimo della legalità, e lì sfidai “l’ordine” forse tra le prime volte della mia vita e presi i Jane’s Addiction e una cassetta mista che  conteneva in pratica la summa del grunge del momento, Bleach dei Nirvana, Badmotorfinger, Mother Love Bone, Mudhoney e i Pearl Jam, appunto.
Da un lato c’era Black e dall’altro c’era Even Flow se non sbaglio.
Da lì la corsa da Disfunzioni Musicali nel giro di due giorni fu una conseguenza inevitabile per prendere Ten. In cassetta.
Dopo un anno in cd.
Dopo qualche mese recuperai Temple of the Dog, poi gli Screaming Trees, poi i Nirvana e poi per ultimi i Soundgarden. Gli Alice In Chains iniziai a prenderne coscienza più in là. Uscivo fresco fresco dagli ascolti dei Led Zeppelin e mi sembrava la cosa più naturale, stavo stravolgendo tutto ma a quindici anni sei una spugna e non guardi in faccia a nessuno. Dei cambiamenti te ne accorgi solo vent’anni dopo.

Ten era il disco che ha probabilmente inciso (col senno di poi) sul corso dei 4-5 anni successivi e forse su tutta la vita, sarebbe più preciso dire ovviamente non solo “Ten”, i Pearl Jam proprio. Ricordo ancora il 93 col cuore in gola per il concerto degli U2 e loro, piccolini e con questo solo alle spalle (dopo qualche mese sarebbe uscito Vs) in un palco immenso e con suoni tarati alla meno peggio a rispondere ai “fuck you” del popolo romano.
Vedder rispose “fuck me? nope, Bono wants to fuck you”.
Da lì guadagnarono rispetto, come si fa in strada.
E guadagnarono tanta, tantissima strada perchè la cavalcata dei Pearl Jam è inutile e stupido che sia io a spiegarvela. Non ha un briciolo di senso.
I Pearl Jam sono come i Sonic Youth, come i R.E.M., come i pochissimi gruppi per cui il solo ripetere il nome riempie la bocca più di una cucchiaiata di purè raffreddato, appartengono a quella strettissima cerchia di gruppi il cui fanatismo diventa una quasi religione a cui si è adepti per scelta, vocazione o incidente. Come il mio caso. Rientrano in quella schiera di artisti di cui (per me) si compra il disco senza neanche averli “testati”, si accolgono e basta.
Poi ovvio, si giudicano e ci si incazza come animali se il disco non è secondo le attese, se per l’ennesima volta ci si trova davanti a un disco “onesto”, che è la maniera più carina per dire “sì vabbè però che coglioni”, insomma, tutto teso ad un ascolto magari anche poco attento ma tanto felici perchè si sa che poi arriva la tournee, arrivano i loro concerti, unici. L’ultimo, due anni fa a Pistoia, fu qualcosa di davvero grosso. E per grosso intendo una roba da non avere la voce per due giorni.
Ah a me, per inciso l’”avocado” era piaciuto, e neanche poco.

Il 2009  sarà l’anno in cui in un certo senso i Pearl Jam diventeranno “grandi” e per grandi intendo iniziare a parlare di un probabile disco nuovo (il nono se escludiamo il live e le rarità) e la  ristampa deluxe di Ten  contenente (occhio che è lunga) la ristampa del disco e un nuovo missaggio di Brendan O’Brien (che un giorno vorrei capire per quale cazzo di motivo sta sempre tra i coglioni), il dvd dell’unplugged per MTV, vinile di un live del 92 “Drop in the park”, una replica della cassetta tre pezzi con le linee vocali originali di Vedder che il gruppo faceva girare per club per suonare, una replica del quaderno originale su cui Vedder scriveva i testi, foto e memorabilia varie, roba per cui credo spenderò soldi (ma questo non è importante) e ovviamente inediti.
Per dire, Brother era un brano che già era incluso nella raccolta di inediti Lost Dogs, in versione strumentale e a cui solo quest’anno è stata aggiunta la linea vocale, ne è uscita fuori una cosa che va molto vicina alla Breathe contenuta su Singles. Una roba che i Pearl Jam vuoi perchè invecchiati, vuoi perchè persi su altre vie sembrava non fossero in grado di scrivere più, neanche con l’aiuto del cane da tartufi.
E con un ritornello di quelli che ti fanno rimanere senza voce per altri cinque minuti, dopo quelle due ore che durano ormai vent’anni.

Pearl Jam - Brother (Mp3)

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Primus – Professor Nutbutter’s House of Treats (wma)

Sugar – If I can’t change your mind (Video)
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Visto che il ragazzo mi esordisce la tag milestones con un pezzo da novanta (ed Achtung Baby lo è indubbiamente) ho pensato di cambiare tutto ma proprio tutto e di parlare di un disco che mi è ricapitato per le mani dopo diversi anni di un gruppo sicuramente meno conosciuto degli U2 (bella forza…).
Questo milestones lo dedico a Junkiepop e alla sua ritrovata vena HC. In dieci anni e spero di non sbagliare mi sembra che non ne abbiamo mai parlato. Poi magari lo conosce però è una sorpresa. Anche per ribadire che non è una redazione quella fra noi due…

1995. Epoca in cui l’Hardcore-Punk comincia a divenire qualcos’altro. Uno dei generi più metropolitani (e da dove se non da una metropoli poteva nascere questo genere) deve fare i conti col fatto che molti gruppi HC-Punk stanno passando alla cassa. Il fil-rouge che unisce Minor Threat e Black Flag passando per gli Husker Du e i Fugazi ha bisogno di nuova linfa. Il grunge ha esaurito la sua spinta propulsiva ed è il momento del neo-punk (Green Day, Offspring e a breve Blink182). Ma qualcuno ha in serbo qualche sorpresa.
L’hardcore diventa post-hardcore (come tanti altri generi, mi rendo conto che il nome non è il massimo dell’originalità ma tant’è…) e tra i vari dischi di quell’anno (ce n’è un altro clamoroso di cui probabilmente parlerò in futuro) esce questo The Gato Hunch degli Stanford Prison Experiment.
L’ispirazione è quella fugaziana ma più noise e “nervosa”. L’album si apre sulle note di You’re the Vulgarian, vera dichiarazione d’intenti per tutto quello che verrà dopo, il barrage chitarristico è semplicemente impressionante. Repeat Removal si rivela un pò meno ostica strizzando l’occhio ai Girls Against Boys. (Very)Put Out è straight allo stato puro con voce e batteria lanciati a perdifiato,
intramezzati da un riff ribassato. Cansado è un esercizio di imbarazzante somiglianza con i maestri Fugazi seguita a ruota da Flap e i suoi ricami obliqui della sei corde. Il trittico So Far, So Good-El Nuevo-The Accomplice svela altri piccoli particolari di questo splendido disco. Se la prima si regge su un riff di ampio respiro, la seconda è un hardcore-punk che strizza l’occhio alla pista da ballo e la terza un concentrato di chitarre “soniche”. Hardcore Idiot è la summa dell’SPE sound e un pò di tutto l’immaginario HC nell’anno ’95. Swoon è la loro ultima scrittura e tiene in serbo il ritornello più emo, ma nulla a che vedere con l’emo che purtroppo infesterà negli anni a venire. Ma l’ultima vera traccia del disco è la cover di Worst Case Scenario dei Babyland semisconosciuto gruppo electronic-punk ed è talmente riuscita che rischia di fare la figura del brano di punta. In sintesi una scrittura ispirata e multiforme, che evita il ripetersi di reiterati schemi che troppe volte hanno fatto venire a noia le produzioni di dischi HC-punk, fa di questo disco un piccolo gioiello da custodire con cura.

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Fino a quel momento (e di striscio) per me gli U2 erano quel gruppo che un po’ stuccava con i singoloni di The Joshua Tree, o andando indietro erano Pride o in maniera del tutto fortuita data la fissa per Desire avevano la titolarità di uno dei primi due cd che avevo comprato. Rattle and Hum (l’altro era Sgt Pepper’s).
Quando uscì Achtung Baby avevo sedici anni e per me cambiò totalmente l’idea di musica. O di mio approccio alla musica, che forse così è più giusto. Mi ricordo perfettamente imbambolato di fronte a Videomusic, la prima volta che passò il video di The Fly, rimasi annichilito, con la bocca aperta come un pesce rosso e mi dicevo, ancora ancora.
Ne voglio ancora.
Non fu salutato immediatamente come un capolavoro, anzi, molti dei fan dei vecchi u2 si allontanarono “non è Boy, non è Joshua”, insomma Achtung Baby era il coraggio di un gruppo che aveva buttato tutto sul tappeto verde della roulette, senza avere nè paracadute ne altro. Si giocavano tutto, davvero in quel momento con l’altissimo rischio di non essere compresi e di fronte a questo tirarono fuori The Fly.
Io rimasi shockato, letteralmente a bocca aperta, comprai subito la cassetta perchè nel walkman volevo sentirlo come Dio comanda, poi il vinile. Solo due anni fa l’ho preso in cd.
Non mi vergogno a dire che credo di avere sentito quel disco e praticamente nient’altro per un anno intero, un disco assurdo, per un gruppo che faceva rock e che si metteva a mischiare con l’industrial, con le pazzie di Brian Eno e nei fantasmi dell’Hansa Ton di Berlino.
Bono stesso parlò di fantasmi che si respiravano durante le registrazioni e fu il primo a mutare, a nascondere la voce dietro a filtri, a deframmentare la propria voce mentre tutto il gruppo si abbandonava a fare altrettanto mutando il suo ruolo da predicatore a quello che il predicatore di solito teme, abbandonando le solite e rassicuranti chitarre effettate col delay, batterie elettroniche. Gli u2 che entravano nel nuovo millennio mentre intorno era il 1991.
Per dire, lo stesso anno usciva Badmotorfinger dei Soundgarden uno di quei dischi motrice del movimento grunge che faceva perno sulla musica anni 70 (in parte), gli u2 facevano musica in anticipo su Nine inch nails con gli stessi presupposti ma partendo da I will follow e Where the streets have no name, in poche parole, smisero di essere quello che erano e si trasformarono in qualcos’altro. Totalmente.
Il fatto è che nell’immensa omogeneità di un lavoro mastodontico (per valore e mole) brillano canzoni assolute, Until the end of the world (per anni canzone preferita di Michael Stipe e sicuramente una delle mie cinque canzoni della vita), Mysterious Ways e la sua ridefinizione del pop industrial, Acrobat in cui gli u2 che furono facevano capolino e la stordente e manifesto Zoo Station. Non solo, il disco è una saga di perle per cui oggi che di anni ne sono passati 17 continua ad essere avanti ad ogni cosa che possa essere considerato attuale.
Achtung baby fu anche una tournee con le Trabant attaccate ai soffitti, l’interconnessione televisiva, uno spettacolo visivo che fu l’ideale controparte sensoriale del disco che suonavano nei loro live. Achtung baby è senza ombra di dubbio un disco che non solo ha cambiato la mia maniera di sentire musica, che mi ha fatto pensare ai sempre e soliti 4 accordi ma che ha spinto l’assicella più in là.
E che mi ha fatto vedere cosa sarebbe diventata la musica, con dieci anni d’anticipo.

U2 – Zoo station (Video)

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